Главная страница | Критика | Пересмотр! Том 1. Даже не начал

Пересмотр! Том 1. Даже не начал
Никита Юрьевич Тришин
Вы любите пересматривать фильмы? Автор данного сборника так это любит, что уже 129 раз задокументировал свой опыт пересмотра кино и сериалов. Здесь собраны выходившие с 2016 по 2020 года статьи с сайта «Перетрение» в рамках рубрики «Пересмотр!». Купив это издание, вы получаете удобный сборник со скромными дополнительными материалами.

Никита Тришин
Пересмотр! Том 1. Даже не начал

История «Пересмотра!»
Один из самых распространенных советов, что дают писатели своим возможным будущим коллегам – заведите дневник как можно раньше. Мне эта идея никогда не нравилась, ибо моя жизнь никогда не казалась чем-то особо насыщенным, что стоит мгновенно и как можно раньше задокументировать. Но не зря же советуют? Я возвращался к этой мысли на протяжении нескольких лет. Пока, где-то в начале 2013 года, не пришло озарение.
Что, если объединить свою биографию с отзывами на фильмы, просмотренными в кинотеатре? Как бы и формальные временные рамки, и данные о моей унылой жизнь будут разбавлены тем, что действительно интересно – кино. Загоревшись идеей, я написал где-то 5-10 страниц текста о примерно столько же фильмах. Ради этого пересматривал «Би Муви» и «Повелителя Стихий», например. Но это коснулось не всех лент – о каком-нибудь «Большом путешествии» и «Тачках» писал чисто по памяти, ибо и так их не один раз видел и не находил смысла освежать воспоминания.
Не знаю, во что эти записи вылились, если бы они сохранились до наших дней. Будучи крайне наивным, я считал, что все мои творческие потуги можно спокойно хранить на одной флэшке. Помимо той писанины, там были и другие, более ценные вещи, касающиеся записей и на поприще художественной литературы. Все они пропали, когда я неудачно наклонил ноутбук и воткнутая в него флэшка погнулась. Увы, ничего достать из неё впоследствии не удалось.
Как бы я не жалел о потерянных трудах, не могу не признать, что у случившегося есть и положительная сторона. Если бы они сохранились, то, скорей всего, сейчас я бы не писал это. Изначально «Пересмотр!» не подразумевал автобиографические вставки – они пришли сами собой, когда рубрика естественно развивалась с каждым выпуском, тем самым впитав суть, что была у текста с потерянной флэшки. Разве что идея с хронологией оказалась утрачена.
Первые два выпуска были лишь рецензиями на замену моих более неудачных текстов на КиноПоиске. Удалить свой уже одобренный для публикации материал оттуда можно, только если ты написал ещё один на ту же вещь. Причем лишь ограниченное число раз. Правда, иногда мне шли на встречу и модераторы сами удаляли предыдущие рецензии, тем самым не меняя число возможных удалений.
Кроме КиноПоиска я отправил эти тексты в свой любящий пыль и стагнацию блог на Тамблр. Там уже появилось название «Пересмотр!». Цели выдумать что-то оригинальное не было. Даже завёл для текстов группу ВКонтакте. Но она быстро исчезла, так как появилась новая перспектива. Увидев мои потуги, двое друзей, с которыми я тогда, грубо говоря, писал подкасты, а по сути просто общался в Skype, предложили объединить усилия и создать сайт, где мы могли бы полностью удовлетворить свои амбиции в плане написания текстов.
За эти пять лет, что я с хромающей периодичностью пишу «Пересмотр!», произошло многое. Рубрика начала обретать своё направление и идею только с третьего выпуска. Впоследствии мне приходилось очень долго и яростно отстаивать её перед коллегами. Одно время рубрика переехала на специально созданный подсайт, чтобы её выпуски не «засоряли» остальные материалы. Но почти полгода спустя «Пересмотр!» вернулся на основной сайт, а идея переезда стала считаться неудачной.
Довести «Пересмотр!» до сотого выпуска было своего рода достижением и относительно простым способом создать достаточно материала, чтобы он был объемом с полноценный роман. Но – парадокс – в тоже время я и близко не написал обо всём, чём хотел. Ещё столько фильмов не затронуто… Даже из тех, о которых я думал написать ещё во времена первых выпусков! Я вот ещё на почти десятилетие отстаю с Pixar и не сделал ни одного текста о моей второй любимой студии. А уж про сериалы вообще молчу. Всё это, как ни странно, ещё впереди. Потому том получил название «Даже не начал».
В начале 2019 года я ушёл из «Перетрения» из-за достигших предела творческих разногласий и элементарной нехватки времени по причине (приготовьтесь смеяться) того, что у меня появилась девушка. Но к концу года мы нашли общий язык и я сменил расписание с еженедельного на раз в две недели. Так я снова стал публиковать новые выпуски с января 2020-го. Собственно, в этом сборнике и представлены все выпуски за 2016, 2017, 2018 и 2020 год.
Это путешествие слишком ценно для меня. Я не только развиваю свой аналитический и писательский навык, но и переосмысливаю собственную историю. Ведь кино с сериалами и есть моя жизнь. Спасибо, что участвуете в этом путешествии со мной.

В каком порядке читать?
В любом. Разумеется, идеальным способом было бы читать с первого по последний – бывает, что я порой даю не самые очевидные отсылки к предыдущим выпускам, да и сами они порой привязаны к определенному инфоповоду на момент выхода. Для лучшей ориентации в том, что в какое время написано, перед каждым текстом есть дата публикации.
Но я также понимаю, что для кого-то чтение ста с лишним случайных рецензий может стать достаточно унылым и тягомотным опытом. Так что в конце книги я выделил несколько списков с регулярными темами, проходящими через несколько выпусков. Можете начинать с любой наиболее интересной – а там авось и до остальных руки дойдут. Полные названия я в основном писать не буду, отдав предпочтения пояснениям, как фильм/сериал относится к серии.

#1 – Трон: Наследие (2010)
Опубликовано 27 марта 2016 года
Не сказать, что «Трон: Наследие» – шедевр. По правде говоря, его и хорошим фильмом можно назвать лишь с натяжкой. Но где ещё вы найдете такое визуально выверенное кино, пиршество для глаз из некой смеси киберпанка и нео-нуара? Правильно, нигде. И в первую очередь фильм подкупает своей уникальностью.
Впрочем, ещё до попадания в мир Системы нам есть на что посмотреть. Хотя бы на… как бы подобрать выражение получше… малоудачное омоложение лица Джеффа Бриджеса. В открывающей сцене его герой, Флинн, рассказывает сыну о мире Системы и тех, кто там главные – а именно он сам, его копия КЛУ и Трон. Спустя 20 лет эти знания мальцу пригодятся. Ведь, по воле случая, ему придется испытать все прелести жизни внутри компьютерного мира, что долгие годы развивался сам по себе и держал его папу в заточении.
Последовавшая нарезка новостей о исчезновении героя Бриджеса ничего особенного из себя не представляет. А то, что в последнем репортаже так и вовсе открыто ссылаются на сынишку, настораживает. Создается ощущение, что сценаристы не очень-то уважают своего зрителя, раз настолько разжёвывают, что именно мы должны чувствовать и думать. Но не беспокойтесь: потом лента редко будет объяснять, что в ней происходит.
Доходит до смешного – узнать, как же в финале произошло то, что произошло, можно лишь из интервью с режиссером, но никак не из самой картины. Вспоминается комментарий Джорджа Лукаса к четвертому эпизоду Звездных войн, где он объяснял, что такое парсеки и почему чем их меньше – тем лучше. Позже он добавляет, будто ему казалось, что из самого фильма всё понятно. Нет, Джордж, ты даже подсказки не оставил.
Тем не менее – папа исчез, и юный Сэм Флинн уезжает на велосипеде непонятно куда, и тут же ночь сменяет день, а мальчишке уже 27. Едет он теперь на мотоцикле и роль его исполняет Гаррет Хедлунд. И, может, он и слегка сдержан в своей игре, но харизмы у него не отнять. Чего только стоит сцена, где его застает на крыше охранник, а он ему лишь разводит руками: мол, на самом деле это здание компании, которая принадлежит мне, потому я твой начальник и делаю что хочу. Таких малозаметных, но приятных моментов в его игре хватает.
На самом деле все актеры молодцы, как и играющий за двоих Бриджес, так и зашедший на минутку Киллиан Мерфи. Разве что Майкл Шин расстраивает кривляньями, но его тут немного. Самая интересная роль досталась Оливии Уайлд – её Кворра может показаться лишь ещё одной крутой экшен-героиней, но при этом она наивная и неловкая как ребенок. Такое сочетание сюжетно обосновано, хоть ему уделено не так много экранного времени, как хотелось. Героиня явно заслуживает большего, особенно благодаря тому, с какой самоотдачей её играет Уайлд.
Весь фильм пропитан недосказанностью. Взять хотя бы героя из названия – где сам Трон? Как выясняется, тут его зовут Ринзлер и он главный приспешник злодея, КЛУ. О каком-либо развитии персонажа мечтать не приходится – он всё время в маске и почти беспрекословно выполняет то, что ему велено. Когда в конце происходит метаморфоза героя, то она продиктована по большому счету ничем. Ей богу, в видеоигре Kingdom Hearts: Dream Drop Distance, где можно пару часиков побегать в том числе и в мире «Трона: Наследие», Трону уделено больше внимания, чем в фильме. А ведь там он лишь один из множества второстепенных персонажей.
Забавно, что нам так и не показали напрямую лицо Трона в нашем времени, но омоложенное лицо Брюса Бокслайтнера, что играл этого героя ещё в «Троне» 1982 года, можно увидеть во флэшбеках. Правда, разглядеть его не получится – оно вдалеке, а сами флэшбеки покрыты сеткой из множества шестиугольников, как пчелиные соты. Причем сделано это не просто так – как можно заметить, в архитектуре Системы шестиугольники не редкость, и тем самым на фоне истории о зарождении нового порядка в этом мире они вполне уместны.
Очевидно, что режиссер-дебютант Джозеф Косински прежде всего уделял внимание визуальной части своего творения. И, вероятно, для такого фильма это – лучший из подходов. Когда вокруг сплошная компьютерная графика, приятно знать, что и костюмы, и некоторые декорации самые что ни на есть настоящие. Люди ради того, чтоб пол в логове Флинна в Системе светился, оставили под ним еще три метра пространства. Все эти неоновые огни, вечная ночь, плавные линии – слов нет. Не фильм, а арт-инсталляция.
Вишенкой на торте оказывается то, что фильм крайне приятен не только для глаз, но и на слух. Дело не столько в прекрасном подборе звуков и правильной их компоновке, сколько в потрясающей музыке от Daft Punk. Двое французов не думали халтурить, этот саундтрек можно спокойно ставить на полку с их остальными, не менее прекрасными, альбомами. Благодаря им «Трон: Наследие» можно смотреть хоть с закрытыми глазами и всё равно не пожалеть о потраченном времени.
Конечно, было бы неплохо, если нам показали побольше гонок на мотоциклах и поменьше неловких отношений отец-сын, а от здешнего злодейского плана не хотелось краснеть. Но я готов переживать эти, по сути, малозначительные минусы снова и снова, дабы насладится тем визуальным и аудиальным деликатесом, коим является «Трон: Наследие».
8 из 10

#2 – Астерикс против Цезаря (1985)
Опубликовано 27 марта 2016 года
Бывают фильмы, которые сами по себе не назовешь откровенно ужасными. Но они так проваливаются по всем фронтам там, где множество схожих произведений были удачными, что при первом просмотре ты не можешь сдержать гнева и готов рвать и метать. Такая у меня была ситуация с мультфильмом «Астерикс против Цезаря» 1985 года. Повторный просмотр дается куда легче, но былая обида не прошла.
Вот есть здоровенный обалдуй Обеликс. Он влюбился в только приехавшую красавицу-племянницу вождя деревни. Сама по себе ситуация неловкая. Причем как для Обеликса, так и для зрителя, что вынужден наблюдать за исходящими из неё несмешными шутками. Позже её и точно так же до противного идеально нарисованного жениха похищает новичок из римской армии, не знающий, что с деревней, где все пьют волшебный эликсир для получения немыслимой силы, лучше не связываться. Узнав о таком безобразии, командир посылает его отвезти пленных в самую дальнюю римскую провинцию. Астерикс и Обеликс, конечно, отправляются на выручку.
И тут начинается самое веселье. Если, конечно, под весельем подразумевать торжество отсутствия логики. Чего стоит только один факт, что ради спасения пленных Астерикс и Обеликс записываются в римские легионеры. Не понарошку, а на самом деле. Самим добраться до порта и там договорится с каким-нибудь торговым судном, конечно, невозможно – абсолютно необходимо записаться в армию твоего главного врага, лишь бы добраться до этой дальней провинции. При этом их принимают без вопросов, а подготовка перед походом занимает всего пару дней. Повторю: подготовка галлов и прочих покоренных народов в службе легионера заняла всего пару дней. Даже для фарсовой комедии, свойственной историям про Астерикса, это слишком.
Ладно со всем этим маразмом, если бы лента была смешной. Ничего подобного. Поначалу классические избиения выглядят еще более-менее забавно, но потом нам их попросту перестают показывать. Видны только реакции второстепенных персонажей – и вот они ни разу не смешат, а только раздражают вымученностью. Если на всю картину и найдется хотя бы парочка смешных шуток, то таковые попросту погребены под тонной клинически несмешного материала. Даже классическая для этой серии фильмов шутка о перевирании истории (в данном случае о том, что на самом деле из-за Обеликса римский Колизей мощно обвалился) потенциально могла вызвать улыбку, но её подача настолько бестолковая, что плакать хочется.
Дело не сколько в том, что у мультфильма нет чувства комедийного ритма. У него просто нет ритма. Нигде и ни в чем. Анимация то плавная и в целом неплохая, то рваная и откровенно дешёвая. Сцены то крайне фарсовые, то даже слегка пугающие своей серьезностью для детского мультфильма. Нет никакого чувства меры, нет сколь-нибудь интересного сюжета, не за кого переживать и хоть чем-то интересоваться.
Самое обидное тут то, что они сотворили с Астериксом. Как вы можете заметить, его имя есть в названии, но при этом ему досталось не так уж и много экранного времени (Цезарю, впрочем, тоже – количество его сцен можно сосчитать на пальцах). Но что с ним произошло? Он не проявляет характера, в отдельных моментах начинает нелепо и неприятно спешить, а в самом конце одиноко и грустно сидит на ветке, пока вся деревня, как всегда бывает в историях про двух галлов, наслаждается трапезой. Что? Почему? В фильме не было показано ни одной причины, что бы он не был за столом вместе со всеми.
Весь мультфильм – одно сплошное недоразумение, недостойное ни просмотра, ни тем более пересмотра.
2 из 10

#3 – Лило и Стич (2002)
Опубликовано 31 марта 2016 года
Будучи ребенком нулевых, я регулярно и по много смотрел телевизор. Не так уж редка ситуация, когда я по много раз видел отрывки одного и того же фильма, но никогда не смотрел его полностью. Тем не менее, цельная картина произведения в голове всё равно выстраивалась. Я думал, что с «Лило и Стич» у меня такая же ситуация. Но оказалось, что до сих пор я видел лишь примерно половину сцен. Всё же будем считать это за пересмотр, а то иначе я не смогу тут об этом писать.
Как ни странно, но у меня к фильму были даже завышенные ожидания. Дело в том, что его сценаристы и режиссеры Крис Сандерс и Дин ДеБлуа впоследствии подарили нам вполне хорошего «Как приручить дракона». А позже, разделившись, ДеБлуа сделал отличный сиквел «Дракона», а Сандерс – не менее прекрасную «Семейку Крудс». Да и сам пришелец Стич стал культовым персонажем.
В Японии, например, его обожают наравне с Чебурашкой (оно и не удивительно – они одинакового размера и одинаково умилительны). Так что, в каком-то смысле, недавний полноценный просмотр меня даже слегка разочаровал, хотя сама картина все ещё нравится. Но обо всём по порядку.
Начинается «Лило и Стич» даже слишком здорово. Межгалактическая тюрьма, суд над безумным ученым и его генно-модифицированным существом, дерзкий побег с помощью слюней – готов поспорить, в 2002 от Диснея такого вообще никто не ожидал. Даже на не особо хорошо встроенную трехмерную графику космических кораблей не обращаешь внимание – все-таки они тогда только учились такие трюки проворачивать в двухмерной анимации. Да и из-за «Футурамы» подобное кажется привычным.
Позже, в результате случайности, Стич (озвученный режиссером и автором персонажа Крисом Сандерсом) отправляется на родную для нас с вами планету, а если точнее – на один из Гавайских островов. Там мы знакомимся с Лило (Дейви Чейз) – юной гавайкой, испытывающей определенные трудности в общении со сверстниками в связи с проблемами в семье и просто необычным взглядом на мир. Понятное дело, что она – идеальная хозяйка для Стича. Ведь ему, как в таких фильмах заведено, придется весь хронометраж перевоспитываться из машины разрушения в добропорядочного гражданина.
У картины с юмором хорошо, но есть определенные проблемы с комедийным ритмом. Например, есть монтаж сцен, где старшая сестра и опекунша Лило Нани (Тиа Каррере) ищет себе работу, а сама Лило учит Стича быть как Элвис, потому что он – добропорядочный гражданин. Разумеется, каждая новая попытка получить работу срывается по нелепому стечению обстоятельств, напрямую связанных со Стичем. Откровенно слабых шуток здесь нет, но так же тут нет ничего, что искупало бы шаблонность и предсказуемость нарезки. Будучи куда более сильным произведением в драматических сценах, в комедийном плане фильм может откровенно провисать, а то и вовсе скатиться в чисто детскую гиперактивность. Что скорее раздражает, чем развлекает.
Кстати, о Нани – она лучший персонаж картины. Ты сразу же пропитываешься сочувствием к её далеко не простой ситуации, а такому характеру и силе воли вполне можно позавидовать. Она тут не главная скрипка, но играет роль этакого гвоздя, на котором завязаны все ниточки, что представляют «Лило и Стич». Стоит его вынуть – всё тут же разлетится и развалится.
Разве что можно пожаловаться, что в середине ленты, когда она в ресторане видит замаскированного, но явно пришельца (тем более с одним гигантским глазом), то и бровью не дернула. А вот стоило его же увидеть ближе к концу – и тут это подается как серьезный момент. Опять же, это скорее камень в огород ритма. Здорово, что картина не воспринимает себя слишком всерьез, не стесняясь в свой нарисованный мир вставлять реальную фотографию Элвиса и настоящие кадры из фильма про гигантского паука. Но надо балансировать между историей с персонажами, для которых их мир является реальностью, и подмигиваниями зрителю. Увы, это не всегда получается, отчего диссонанса не избежать.
Также слегка обидно, что финальные разборки с пришельцами получились довольно схематичными. В них хватало всяких откровенных глупостей вроде того, что как бы сверхопасное существо сажают в некую прозрачную капсулу, которую они даже поленились положить в сам корабль, лишь прицепив сзади космолёта. И да, Стич оттуда сбегает на раз-два. Даже для такой картины это слишком нелепо.
Но, хэй, всё-таки мы говорим о фильме про милейшего маньяка-пришельца, познающего жизнь и семейные ценности на Гавайях. Такой концепт просто не может не симпатизировать. В конце концов, фильм за свои 80 минут приносит немало удовольствия, хоть и с определенными оговорками.
И вообще – это 42-ой фильм анимационной студии Диснея. А 42, как известно, является ответом на вопрос о жизни, вселенной и всего остального.
7 из 10

#4 – Джордж Карлин: Вы все больны (1999)
Опубликовано 6 апреля 2016 года
Несколько лет назад я наткнулся на один из многих кинообзоров от BadComedian`а. Сам ролик мне не понравился (что ещё ожидать от человека, который уже в своем нике сообщает, что он плохой шутник?), но меня заинтересовал двухсекундный отрывок из него, где некий уже немолодой дядька говорил очень интересные вещи. К счастью, в описании было указано, что это отрывок из выступления Джорджа Карлина «Вы все больны».
До этого я уже видел три стэнд-ап выступления – два от Эдди Мёрфи и одно от Мартина Лоуренса. Последнее примечательно тем, что оно имеет самый жесткий рейтинг американской киноассоциации – NC-17, что исключительно привлекало мелкого меня. Но именно Карлину принадлежит заслуга того, что я полюбил стенд-ап.
Это было что-то абсолютно новое, с чем я никогда не сталкивался. Столько желчи – но толковой, и, что самое важное, смешной желчи. Все жалобы, как их охарактеризовал сам выступающий, скорее походят на протест – настолько агрессивно они звучат. Если бы у Задорнова хватало смелости, то он, вероятно, тоже мог так выдавать свой материал, но увы. И вообще меня не туда понесло.
Как впоследствии выяснилось, часть этого выступления я слышал ещё раньше – а именно в отчаянной документалке Питера Джозефа «Дух Времени». Монолог о том, что всемогущий бог не преминет бросить вас в ад за нарушение его правил, но он любит вас и ему почему-то всё время нужны деньги, звучит в том фильме где-то в начале. Примечательно, что заканчивается «Дух Времени» тоже выступлением стенд-ап комика, а именно монологом Билла Хикса о том, что вся жизнь – всего лишь аттракцион. Казалось бы, если ты за свои деньги делаешь серьезную ленту о заблуждениях современного мира (какой бы сомнительной она в итоге ни вышла) и обмане вокруг американцев в частности, то зачем добавлять в закадр отрывки из, собственно, комедийных выступлений? Даже говорить не буду, что в каждой шутке есть доля шутки.
Мне уже сложно представить свою жизнь, если бы я не сделал этого открытия. Не знаю, насколько эти все выступления повлияли на моё мировоззрение, но хоть какой-то след да оставили. Я не назвал бы это выступление любимым среди всех работ Карлина, но, уверен, вы уже догадались, почему именно «Вы все больны» упомянуто в названии этого материала.
Единственное что слегка обидно за русскую озвучку. Это был один из первых опытов озвучания у студии RUMBLE, и потому она не так хороша, как их последующие работы. Но зато с переводом вроде бы никаких проблем нет.
Если вы все ещё не смотрели это выступление – что вы тут всё ещё делаете? А если вы сознательно решили его не смотреть, то… ладно. Кто я такой, чтобы вас заставлять?
…Неженки.
9 из 10

#5 – Бионикл 2: Легенды Метру Нуи (2004)
Опубликовано 13 апреля 2016 года
С 2001 по 2010 год существовала серия конструкторов LEGO, внесшая немалый вклад в развитие компании и не давшая ей загнуться, несмотря на плачевное финансовое состояние. Изначально она была лишь подразделом серии Technic, но довольно быстро отделилась в самостоятельную линейку. Речь, конечно, о BIONICLE.
Я люблю BIONICLE, это крупная часть моего детства. У меня были сами фигурки-конструкторы, я играл в видеоигры по ним, и, о чём сейчас и речь, смотрел фильмы. Причём ещё в далеком 2004-ом, когда у нас можно было купить только пиратские DVD, бывшие лишь репликой западных дисков с впихнутой непонятно как русской аудиодорожкой. В диске с «Бионикл 2: Легенды Метру Нуи» эта дорожка была запихнута так глубоко, что мы её с папой и братом с полчаса искали. Но сам фильм полностью так и не посмотрели.
Позже, в году этак в 2006-2007, у нас не только монструозно развился пиратский рынок, но и стали появляться первые лицензионные носители. Благодаря дикому везению мне удалось добыть второй и третий фильм по Биониклам без пиратства и с дополнительными материалами. Третью часть я особо много не смотрел, а вот вторую пересматривал и пересматривал, пока диск не перестал воспроизводиться с определенного момента ближе к концу фильма. К несчастью брата, которого я так и не уговорил посмотреть картину, его подсказка о том, что стоит протереть диск снизу, сработала на отлично и я снова сел смотреть «Легенды Метру Нуи».
Увы, в детстве я был плохим хозяином для своих вещей, и к 2011 году этот диск пропал. Не знаю, что с ним стало. Но зато у меня остались впечатления о красивом, динамичном, интересном мультфильме с крутой музыкой по полюбившейся мне вселенной. Но чем старше я становился, тем больше сомнений вкрадывалось по поводу этих воспоминаний.
Я не люблю высказывания из разряда «мне этот фильм в детстве нравился, поэтому не хочу его пересматривать – вдруг разонравится». Я считаю это крайне глупой и трусливой позицией. Переосмысление само по себе – вещь крайне полезная. Ей не то что нельзя пренебрегать, а даже нужно хвататься за любую возможность воспользоваться. Тем более, что вы все ещё можете обожать этот фильм вопреки логике. Так что почему бы и не пересмотреть?
В моём случае недавний пересмотр был катастрофой. Но катастрофой ожидаемой. Всё же я, по понятным причинам, хорошо помнил фильм. В нём тонна проблем, от скудного и бестолкового повествования до нелепостей вроде малого количества кадров в секунду на отдельных сценах. Я понимаю, для трехмерной анимации 2004 года, тем более выходящей сразу на видео, всё выглядит относительно неплохо. Плюс сроки производства были сжатые, отчего создатели рисковали не успеть доделать фильм к сроку. В видеоигровой индустрии и сейчас такие проблемы не редкость. Но наблюдать подобное в кинематографе как минимум странно и непривычно.
Не знаю, стоит ли размусоливать проблемы скомканности сюжета или бедности проработки окружения – подобное типично для Direct-to-video релизов. Так на чём же заострить внимание? Давайте на персонажах. Они неинтересны. Ни на йоту. Вроде как и разумной речью обладают, но складывается ощущение, будто кто-то решил, что раз они выглядят как роботы, то и интерес вызывать должны такой же, как прочие механизмы, будь то холодильник или блендер. Разве что с главным героем себя легко ассоциировать, да и только потому, что он лох и неудачник. А в конце становится героем и лидером, иначе никак.
Самый интересный персонаж в фильме – это злодей Макута. И то только потому, что его мало, выглядит он круче всех и обладает божественно потрясающим голосом (по крайней мере, в дубляже). Единственное, что как было для меня хорошо, так и осталось – музыка Нэйтана Фёрста. Относительно недавно вы могли слышать его в фильме «Need for Speed: Жажда скорости». Пробился в высшую лигу парень. Молодец, заслужил.
Мне всё ещё нравится визуальный стиль фильма и, повторюсь, вселенная BIONICLE в целом. Но я не могу отрицать, что «Легенды Метру Нуи» – откровенно слабо сделанная лента, существующая прежде всего как побочная продукция к игрушкам и по сути никому не нужная. Я не испытывал негативные эмоции при пересмотре. Но только из-за того, что когда-то обожал этот фильм.
4 из 10

#6 – В диких условиях (2007)
Опубликовано 20 апреля 2016 года
Без шести дней пять лет назад я уже писал рецензию на «В диких условиях», успешно опубликованную на КиноПоиске. Мне тогда было 14 лет и это был один из моих самых первых письменных потугов на поле кинокритики. Неважно, что количество положительных оценок там превышает отрицательные – та рецензия была лишь бессвязной чушью. Но оно и понятно. Важно отметить, что я тогда попросту влюбился в фильм и поставил ему те самые, заветные «10 из 10».
Сильно ли изменилось моё мнение теперь? На самом деле, не особо, хотя одна важная вещь произошла – я больше не могу сказать, что люблю ленту. Не поймите превратно – она мне все ещё очень нравится. Но есть определенные вещи, что показались странными и не слишком уместными.
История основана на реальных событиях, рассказывая о пареньке Крисе, который, после окончания колледжа, послал всё лесом и начал бродяжничать. Его мечтой стала жизнь в лоне природы на Аляске. В финальных титрах есть надпись, что создатели фильма благодарят реальную семью этого парня за содействие в создании киноленты. И вот отсюда вопрос – а обязательно ли говорить столько нелицеприятного о его родителях?
Я понимаю, надо же обосновать, что главный герой не особо-то и заботится о них, даже ни разу не написав письмеца за время путешествия. Но неужели нельзя было придумать более деликатный способ показать обоснование такого поведения, чем заставить его сестру закадровым голосом объяснять зрителю, какие предки плохие? При этом она ещё потом негодует, что он и ей не пишет. А ведь сестру он вроде как любит больше всех остальных людей на земле, что делает множественный негатив к родителям только более бесполезным.
Ещё одна не совсем ясная мне вещь – монтаж. По большей части он тяготеет к документальной манере. Даже есть пара типичных для таких лент разговоров на камеру (тут, конечно, это просто беседы с самим собой, никаких ломаний четвертой стены). Но при этом фильм не чурается и сцен-фантазий, хоть последних раз, два и обчёлся. Используя методы как из художественного, так и из документального кино. С одной стороны мы получаем интересный симбиоз, а с другой – не чувствуется должного баланса между элементами. Вроде бы и отлично придумано, но реализация слегка подкачала.
К примеру, когда в конце нам напрямую дают мораль о том, что всё-таки стоит общаться с людьми, я всё ещё не могу понять, зачем нам показывают крупный план открытой книги, а потом выхватывают с её страницы слово «люди» и всё увеличивают и увеличивают его. Как бы понятно – найти иной ответ на вопрос свободы и взаимодействия с человеческими существами, чем приведший в глушь Аляски, главный герой мог в своих же любимых книгах. Но конкретно этот прием никак идее не помогает, и без него средств для выражений этой мысли хватает.
Тем не менее – это действительно отличный фильм. Прежде всего благодаря актерам – Эмиль Хирш в главной роли по настоящему блистает. Поразительно, как он органично смотрится во всех трансформациях Криса за время путешествия. Также было очень приятно наблюдать за Винсом Воном и Заком Галифианакисом. У последнего роль малюсенькая, но стоит отметить, что он тут появился ещё до прославившего его «Мальчишника в Вегасе». А Вону даже дали возможность продемонстрировать своё актерское мастерство. И он ничуть не подвел.
Однако больше всех меня впечатлила Кристен Стюарт, хоть и не своим исполнением роли (играла она, ну, нормально), а красотой. Полагаю, тут дело в том, что на её лице регулярно была небольшая часть волос – такие детали внешности я безумно обожаю, так что подобное заявление стоит считать излишне субъективным. Я его упоминаю чисто потому, что оно реально повлияло на удовольствие от фильма.
Также здесь очень умно расставлены сцены – в фильме чередуются жизнь Криса в «волшебном» автобусе на Аляске, история прибытия туда и флэшбеки, поясняющие мотивацию к путешествию. Таким образом, мы получаем по кусочкам информацию на три темы равномерно, что дает четкую картину восприятия истории в мозгу. Конечно, само путешествие получает больше всего времени. Всё-таки оно было очень насыщенным и самым интересным в этой истории. Но благодаря такому построению сцен весь сюжет воспринимается более цельно и органично. Возможно, даже лучше, чем если это было чисто в хронологическом порядке.
Вишенкой на торте «В диких условиях» оказывается музыка. Что песни с вокалом Эдди Веддера, что музыка Майкла Брука великолепно вписываются в ленту и прекрасно переслушиваются вне её.
Так что да, мне все ещё сильно симпатизирует картина – концовка все ещё за душу берет. Просто теперь немного меньше, чем раньше. Но зато сейчас я гораздо лучше осознаю, чем именно «В диких условиях» мне так нравятся.
9 из 10

#7 – Повелитель стихий (2010)
Опубликовано 27 апреля 2016 года
Давным-давно, ещё в далеком 2006-ом, я, как обычно в то время, смотрел всё подряд, что предлагал канал Nickelodeon. Закончилась очередная серия «Ох уж этих деток», и тут внезапно начали показывать нечто совершенно иное. Взглянув на экран телевизора, мой брат сказал, что это вроде как аниме. Я тогда даже не знал, что это за слово такое, но почему-то был склонен с ним не согласиться – это же Nickelodeon, там никогда не было никаких аниме.
И был прав. Несмотря на стиль рисунка, схожий с японской анимацией, это был мультсериал от американских авторов Майкла Данте ДиМартино и Брайана Кониецко «Аватар: Легенда об Аанге». Я не мог не полюбить его. Эти двадцать серий, разумеется, не были идеальны, но на тот момент из мультсериалов я почти не видел ничего лучше.
Потом, год спустя, я внезапно обнаружил в эфире и второй сезон, который также был прекрасен. К моменту выхода третьего сезона на западе у меня уже был постоянный доступ в интернет, поэтому его появление не стало такой же мощной новостью, как раньше. Тем не менее, из-за нулевого опыта скачивания видео из сети я ждал выхода серий на всё том же любимом канале. Ведь 2010-е ещё не наступили и он не успел стать полным отстоем. Из-за разницы во времени с Москвой у нас премьеры последних серий шли уже за полночь, но меня это не останавливало. А на следующий день я не упускал возможности посмотреть повтор той же серии уже днём.
С каждым годом моего существования и каждым новым пересмотром, включая то чудесное лето, когда мы вместе с моим другом детства на даче взахлеб посмотрели все 61 серию, я всё сильнее осознавал, насколько же сильно люблю это шоу. Процесс происходит до сих пор – я всё ещё вспоминаю новые детали оттуда, о которых не задумывался или не замечал раньше. Анализируя свои мысли и поведение, пришел к одному удивительному выводу: нет ни одного произведения искусства, которое повлияло на меня, мои мысли и мировоззрение так же сильно, как «Аватар: Легенда об Аанге».
Когда стало известно о предстоящей игровой полнометражной адаптации – черт возьми я был заинтересован. Помню, как на роль принца Зуко приглашали лучшего на свете кумира девочек-подростков Джесси МакКартни, но он отказался из-за занятости в музыкальном турне. Помню, как люди возмущались, что на роль людей с темной кожей брали каких-то белых, а на роль белых магов огня – каких-то индусов. Помню, как благодаря присланной видеозаписи с демонстрацией восточных единоборств на главную роль взяли вообще какого-то левого паренька… Словом, я следил за производством настолько пристально, насколько мог.
В кино пошёл вместе с братом и его тогда ещё девушкой. Они в тот день научили меня великой мудрости, что с помощью сумки или портфеля можно проносить в кинозал любую купленную ранее тобой еду, даже если это запрещается правилами кинотеатра. Стоит упомянуть, что «Аватар» Джеймса Кэмерона сделал этому фильму сразу две подножки: не дал использовать слово «Аватар» в названии и, из-за спровоцированной им модой на стереоизображение, фильму наспех прикрутили 3D, которое было очень низкокачественным. Экран дико темный, эффект объема работал лишь на спецэффектах магии, и то очень топорно – за всем этим толком саму киноленту не рассмотреть. Поход в кинотеатр был клёвый, а фильм… Я так и не понял, какой он. Но потом решил, что вроде бы так себе. Не то чтобы я сильно разочаровался в этом не пойми что. Ведь, в конце концов, оригинальный мультсериал у меня никто не отнимал.
Спустя два-три года я пересмотрел фильм на экране своей PSP – и взаправду насладился им. Конечно, он плохой, но я получал какое-то странное удовольствие лишь от одного факта, что это картина – реальная попытка перевести на большой экран мой любимый сериал. Впрочем, оценка фильму на КиноПоиске снизилась с 5 до 4 из 10. Так что не подумайте, будто я совсем чокнулся.
И вот сейчас только что пересмотрел картину с лицензионного Blu-ray за 200 рублей. Который, кроме годных дополнительных материалов, представляет собой любопытную коллекционную ценность – он был выпущен на территории России «Юниверсал Пикчез Рус», а не «Новым Диском», как все последующие его ревизии на DVD и Blu-ray. Хоть из-за вышеописанного я не жалею об этом приобретении в своей коллекции, но, к сожалению, это никак не мешает фильму быть плохим. По многим причинам.
Так как рыба гниет с головы, то с неё и начнем. А именно, как нам первым делом сообщают финальные титры, с продюсера, сценариста и режиссера М. Найта Шьямалана. Не знаю, как с первым, а со вторым и третьим он проделал откровенно слабую работу. Сценарий «Повелителя Стихий» – не что иное, как выдержка из первого сезона «Легенды об Аанге» со слабой примесью отсебятины. Причем выдержка бестолковая. Я мог бы написать огромную аналитическую статью, сравнивая моменты в фильме и сериале, подробно объясняя на каждом из них, почему он – всего лишь перевирание и/или неправильно поданный материал из оригинала, но не хочу загружать текст ещё сильнее. С таким же успехом господин Шьямалан мог вырвать дерево из земли, перевернуть корнями вверх и снова закопать, надеясь, что оно продолжит расти.
Да и всё новое, что он принёс, по большей части нельзя назвать хорошими идеями. Например:
• Лишить магов огня возможности создавать пламя из ничего. Что?
• Чтобы генерировать магию, нужно долго и непонятно как двигаться. Причём вместо мгновенных движений из восточных единоборств, как в сериале, они стали больше походить на танец. Зачем?
• В конце главный герой, дабы прекратить атаку людей Огня, поднимает огромную волну, а не объединяется с Духом Воды в этакую водяную Годзиллу. Почему? Это же выглядело бы так круто! Но тут хотя бы можно понять – более затратно по бюджету. Но, ради всего святого, для такого можно было бы и постараться.
Последнее, что я скажу, сравнивая фильм и мультсериал, будет о непоследовательности подхода Шьямалана к сериалу. Скажем, среди фанатов популярно мнение, что «Буря» – лучшая серия первого сезона, если не всего сериала (и это если учесть, что второй и третий сезон заметно лучше первого). Но на неё сценаристу особо дела нет, хоть при этом он уделяет немало внимания сюжету из «Синей маски». Та серия, конечно, помогает лучше разобраться в персонаже принца людей Огня Зуко, злодея поневоле. Но в той же «Буре» он раскрывается сильнее, и там есть такое потрясающее сопоставление его судьбы с главным героем, юным Аватаром Аангом, что не включить его в фильм – попросту грех. Это определенно стоило сделать, даже ценой полного игнорирования «Синей Маски».
От М. Найта же протекают остальные проблемы. Вроде бы люди старались, шили костюмы, делали спецэффекты и декорации. Но складывается ощущение, что режиссер не справился со своей главной задачей, заключающейся в координировании действий всех остальных, кто работает над фильмом.
И ведь не сказать, что всё потеряно. Да, фильм до нелепого «мрачен и реалистичен», ничто толком не вызывает интереса, даже экшн не дает собой насладится, настолько всё грустно. Но при этом тут есть одна вполне хорошая сцена с толковым диалогом между улыбающимися людьми. Для всего остального содержания фильма подобное – нонсенс.
Актеры в основном вызывают равнодушие – кому-то не хватает опыта игры, а кто-то просто не хочет выжимать из героев большее, что дает сценарий. А даёт он, судя по всему, мало чего – разговоры между персонажами в абсолютном большинстве мало похожи на то, как люди (и дети в частности) разговаривают на самом деле. При этом среди актерского состава есть те, кто реально старается, будь то Дев Патель с обожженным лицом Зуко или даже Ноа Рингер, тот самый пацан из присланной видеозаписи.
Ещё из хорошего можно увидеть пару действительно остроумных находок (особенно в плане того, как в конце люди огня штурмуют город-крепость на Северном Полюсе) и несколько ненамеренно смешных моментов. Но и того, и того могло быть и побольше. Даже музыка Джейсона Ньютона Хауарда, которого я люблю за «Темного рыцаря», скорее разочаровывает. Здесь разве что неплохой получилась главная тема – в остальном музыка скорее посредственная. И хоть я и сказал, что завязал со сравнениями, но не могу молчать: композиции Джереми Цуккермана из оригинала гораздо, гораздо лучше.
Я мог бы расстроиться, сказать, мол, как же так, мой любимый мультик испортили, детство изнасиловали, все дела… Но ещё тогда, в год премьеры фильма, я понял очень важную вещь, потому повторюсь – сам сериал у нас никто не отнимал.
Так что посмотрите «Аватар: Легенда об Аанге». А если уже смотрели – пересмотрите.
4 из 10
P.S. На самом деле рыба необязательно гниёт с головы, но аналогия слишком хорошая, чтобы от неё отказаться.

#8 – Холодное сердце (2013)
Опубликовано 4 мая 2016 года
Я не пошел на «Холодное Сердце» в кино, потому что… это же мультик про принцесс, да? Я не маленькая девочка и никогда ей не был. Этот факт казался достаточной аргументацией, чтобы не пылать интересом к фильму. Но время шло, и любопытство начало брать своё – куча восторженных отзывов, сумасбродство по одной песне, рекорды сборов по миру и прочее явно говорили, что как минимум нечто достойное для просмотра здесь есть. У нас даже были повторные сеансы на весенних каникулах, но как-то у меня не получалось выкроить время для них, хоть на тот момент уже реально хотелось посмотреть.
В итоге я впервые оценил картину лишь летом, когда и происходит действие фильма. Если сказать о моих первых впечатлениях максимально кратко, то лучше всего подойдет фраза «я не был к этому готов». Даже не помню, как всё произошло. Фильм моментально пролетел через моё сознание и я понял, что влюбился. Да, в этот мультик с принцессами и говорящим снеговиком.
Когда мне стало 18, что моя тётя подарила мне на день рождения? Правильно, 3D Blu-ray с «Холодным Сердцем». Я, конечно, был безумно рад, но меня до сих пор в дрожь бросает от одного факта, что на свое совершеннолетие одним из главных подарков оказались именно эти два диска в одной коробочке. Вторым диском, как нетрудно догадаться, был с двумерной версией фильма и скудными дополнительными материалами.
По итогам в 2014 году я посмотрел этот фильм 5 раз, пробуя все вариации – 3D и 2D, с русскими и английскими субтитрами, даже родителям показывал. Да, я на полном серьезе показывал «Холодное Сердце» своему папе. И ему вроде даже понравилось. Еще два раза пришлось на 2015, включая чудную ночь с 31 декабря на 1 января, когда я с парой друзей упоролся по Dr. Pepper и мультфильмам. И вот ещё раз теперь: итого я посмотрел его 8 раз, хоть с момента премьеры фильма и трех лет не прошло.
Благодаря массовой популярности не мог не приобрести всяческий мерчендайз по мультфильму, особенно когда он соприкасался со сферами моих интересов, будь то конфетные дозаторы PEZ, альбомы для наклеек, фигурки Disney Infinity и прочее. Разве что проигнорировал набор LEGO – даже не считая, что он и так довольно дорогой, так еще эти дистрофички, что компания по производству датских конструкторов продвигает как минифигурки для девочек, мало прельщали.
Итак, теперь мне все же стоит рассказать, почему именно я так схожу с ума по мультфильму. В первую очередь из-за главной героини – принцессы Эренделла Анны, рыжей экстравертки–социопатки, озвученной неподражаемой Кристен Белл. Настолько неподражаемой, что я потом всячески искал, что ещё с Кристен Белл стоит глянуть. И в результате отсмотрел все три сезона «Вероники Марс». Что большое достижение, так как я крайне редко берусь за сериалы, где хронометраж эпизода в среднем выше полчаса.
Из-за всеобщей шумихи вы могли и не заметить, что главная героиня именно младшая сестра, а не старшая. Я вам даже больше скажу – Эльзина Let It Go вовсе не моя любимая песня фильма. Да, она очень хороша, как почти все песни в ленте, но больше всего мне нравится For The First Time In Forever (Reprise), где сестры выясняют отношения уже в ледяном замке. То, каким оглушающим под конец становится голос Идины Мензел, поражает. Это самая мощная по эмоциональному заряду песня фильма.
Раньше мне был безразличен жанр мюзиклов, но когда я думаю о сюжете «Холодного Сердца», то не могу перестать восхищаться, как мастерски песни вплетены в него – настолько, что я не могу представить историю без них. Разве что пение троллей можно выкинуть, но всё же это довольно забавный эпизод. Полагаю, не в последнюю очередь тут сыграло грамотное распределение ролей – пока супруги Кристина Андерсон-Лопез и Роберт Лопез занимались чисто песнями, над саундтреком корпел Кристоф Бек, словно решивший доказать мне, что способен работать во всех жанрах, а не только в комедиях. И доказал ведь!
А вот где фильм оказался хорош неожиданней всего – так это в своем главном комедийно-разгрузочном персонаже. Как грамотно заметил в своем «Диснейбре» Даг Уолкер, если какой-нибудь Осёл из «Шрека» свои шутки кричит, то снеговик Олаф их чаще шепчет. Это действительно что-то необычное. Притом он крайне грамотно введен в сюжет и играет важную роль в происходящем. За подобное я не могу не отвесить мысленный поклон указанной как единственной сценаристке и также со-режиссеру фильма Дженнифер Ли, которую я ещё заприметил на «Ральфе», где также был отличный сценарий с преинтереснейшими персонажами.
Даже дубляж на удивление хорош. Больше всех впечатлил Дима Билан – он справился с ролью Принца Ганса превосходно. Перевод тоже вполне хорош: конечно, в некоторых местах потеряна игра слов, но когда Олафа протыкает льдинка и он говорит то, что говорит – получается даже лучше, чем в оригинале. И окончание песни Do You Want To Build A Snowman? получилось более тонким и проникновенным благодаря тому, что в русской версии в первой строчке повторяющегося куплета есть лишь «А за окном уже сугробы», без упоминания снеговика.
Думаю, на этом можно закругляться. Конечно, я упомянул вовсе не все достоинства или даже недостатки. «Холодное Сердце» такое красивое, неглупое, с прекрасными персонажами, шутками, песнями, что просто берёт и завораживает тебя полностью на весь свой хронометраж. А ещё я не могу вспомнить фильма, в котором с такой же мощью раскрывалась тема сестринской/братской любви. В результате мы получаем пиршество как для глаз, так и для души.
10 из 10

#9 – Хроника (2012)
Опубликовано 11 мая 2016 года
Смотрю на свою PlayStation Portable и понимаю – я был ей не лучшим хозяином. Потертая, с достаточно поцарапанным экраном, чтобы было не слишком приятно смотреть видео при дневном освящении, полуработающим дисковым приводом, постоянно отваливающейся крышкой от батареи, почти не работающим для передачи звука в левый канал гнездом для наушников… красавица, одним словом. Я и до сих пор ей пользуюсь, но теперь её время приходит довольно редко. И то ради коротких игровых сессий. А просмотренные за последние месяцы ролики на ней не превышали 30 минут. Не могу вспомнить, когда я в последний раз смотрел на ней полнометражное кино. Давно, наверное.
А ведь когда-то я почти что только на ней кино и смотрел. Причем регулярно. В маршрутке, в гостях, перед сном – короче, когда только можно и нельзя. Через неё же я и познакомился и с «Хроникой» – режиссерским дебютом Джоша Транка о подростках, получивших сверхспособности.
Здесь есть одна особенность, которая заставляет сразу насторожиться: буквально каждый кадр киноленты снят какой-либо камерой, существующей в мире фильма. Зная это, сложно избавится от мысли, что на этой фишке вся картина и будет строиться. Но, к превеликому счастью, это оказалось не совсем так. Мне тогда фильм понравился, хотя претензии были, по большей части именно что к выбранному стилю. И ещё к откровенно слабым спецэффектах в некоторых сценах.
Причин пересмотреть фильм было несколько. Прежде всего – видео на Ютубе «Гибель и возвращение Супермена» (Осторожно, 18+), где автором и рассказчиком был Макс Лэндис, сценарист «Хроники». Это очень крутой ролик, там засветились даже Элайджа Вуд и Саймон Пегг. В одном кадре на футболке Лэндиса было написано: «идите смотреть "Хронику"». И я подумал – а почему бы и нет? Прошло уже несколько лет, я получше познакомился и даже восхищался двумя из трех актеров на главных ролях. Да и второй фильм Джоша Транка – «Фантастическая Четверка» – мне, вопреки мнению абсолютного большинства, понравился. В совокупности всех этих факторов пересмотр казался очень хорошей идеей.
Могу с полной ответственностью заявить, что это было действительно отличной идеей. Теперь мне фильм понравился даже несколько больше, чем раньше. Прежде всего он вызвал такую симпатию своим крепким сюжетом и персонажами. С самого начала вас погружают в повседневный мир героев, их мыслей и проблем, через которые уже проглядывается основная идея фильма и то, что будет дальше. И преподнесена она очень даже грамотно. К примеру: когда заходит речь о том, что все время снимать окружающее на камеру может быть не очень хорошей идеей, поскольку снимающий будто бы создает преграду между собой и окружающим миром, то оно не просто так. Увы, не все темы и подтексты введены достаточно органично, но в большинстве своем всё работает как надо, ружья Чехова стреляют в нужное время.
Что ещё в фильме здорово, так это актерские работы. Дейн ДеХаан в роли забитой овечки, решившей записывать на камеру свою не слишком лицеприятную жизнь, смотрится очень органично. Отчасти его роль напоминает мужскую версию «Кэрри». Благо, в обоих случаях речь идет о старшеклассниках, использующих свои сверхсилы не ради спасения человечества. Но эта схожесть достаточно слаба, чтоб излишне не бросаться в глаза. Майкл Б. Джордан – просто милашка, в своем образе держится идеально, за такого трудно не переживать. Неудивительно, что после этого фильма у обоих карьеры резко взлетели вверх. Разве что Алексу Расселу не так повезло. Лично мне показалось, что он играет как-то более средне и слегка теряется на фоне этих двоих.
Конечно, когда смотришь на их приколы с применением сверхсилы в кафе или ещё где, не можешь не думать, что подобное нельзя назвать хорошим времяпрепровождением. Но, по крайней мере, это по сути мешает другим людям даже меньше, чем какие-нибудь телефонные пранки. Да и, вероятно, на их месте я делал бы тоже самое, если не хуже. В целом моментов, когда фильм претендует на звание художественной версии «Чудаков», не так уж много, но именно они запоминаются лучше всего. Впрочем, ничего удивительного.
Трудно сказать, было бы фильму лучше без манеры «каждый кадр – съемка какой-либо камеры» или нет. Сложно поверить в такое удобное совпадение, что подруга героя Алекса Рассела тоже всё снимает на камеру. Но оно того стоило – в итоге мы получили хороший фильм. И не важно, под что он стилизуется.
8 из 10

#10 – Облачный Атлас (2012)
Предисловие. Этот текст был написан почти за два года до появления «Пересмотра!». А именно после второго просмотра фильма в порыве чистого вдохновения, после чего я просто оставил его в своем блоге в Тамблре 5 мая 2014 года.
Раньше сайт «Перетрение» был более ориентированным на рубрики. Потому изначально «Пересмотр! #10» написал не я, а Дмитрий Родимов в рамках недели, когда мы все поменялись рубриками. Теперь же, когда «Пересмотр!» стал ещё более авторским, я решил убрать текст о «Черном Динамите» из основной нумерации и заменить его на пост об «Облачном атласе». А сам текст о «Динамите» пусть останется эксклюзивом сайта peretrenie.ru.
Моё первое знакомство с «Облачным атласом» произошло относительно случайно. В начале сентября появилось объявление о том, что из-за 45-летия кинотеатра «Юбилейный» в один из дней осенних каникул все билеты на любые сеансы там будут стоить 45 рублей. Спустя некоторое время я заинтересовался, какие фильмы будут идти в этот день и узнал, что между Диснеевским мультфильмом и новом фильме о Джеймсе Бонде затерялся «Облачный атлас» – экранизация романа некоего Дэвида Митчелла, за которую взялись Том Тыквер и брат с сестрой Вачовски. (Да, тогда ещё брат с сестрой – прим. годы спустя)
Опять же, не сразу, посмотрел трейлер фильма. И ещё ни один рекламный ролик меня так в жизни не впечатлял. Идёт он больше пяти минут, но так меня заворожил, что по телу побежали мурашки удовольствия. Хоть так и не понял, о чём ролик хотел сказать. Куча красивых картинок, отличная музыка и закадровый голос, рассуждающий на заезженные вечные темы – как ни странно, но это действительно взяло за душу. Хоть и кажется, что подобное мы уже видели в сотне другой трейлеров.
Просмотр фильма в кинотеатре был непередаваемым опытом. Один из самых больших кинозалов в городе, заполненный до отказа – в подобных обстоятельствах можно оказаться далеко не каждый день. Разумеется, гейский поцелуй где-то в начале вызвал несколько бурную реакцию среди некоторых зрителей. Но после полчаса просмотра никто никакого громкого звука не издавал – а это особое достижение для трёхчасового фильма. Шесть историй из прошлого и будущего смешивались в единую картину, иногда слишком незаметно перекликаясь между собой. Сцены бурно меняли друг друга, сами при этом особо не торопясь рассказывать свои истории. С первого раза уследить за всем этим трудно, но я был уверен, что это мне удалось. Сейчас уже и не скажу, правда ли это.
Но кое в чем я как и тогда, так и сейчас уверен – 45 рублей окупились. Настолько, что я чуть ли не пожалел о настолько дешёвой цене билета.
После подобного опыта было только вопросом времени, когда я возьмусь за первоисточник. Тут разобраться в истории было значительно проще. Сначала идут первые половины историй от самой ранней вплоть до предпоследней в хронологическом порядке. Потом полностью рассказывается самая поздняя, а за ней следуют продолжения уже начатых, но в обратном порядке.
Первая история происходит в 1849 году на неких тихоокеанских островах. В оригинале повествование ведется отрывками из дневника главного героя – Адама Юинга, адвоката из Калифорнии. Он прибыл ради подписания бумаг насчёт рабов, в суть которых нас не погружают. У него обнаруживается некий экзотический паразит, которого вызывается вылечить эксцентричный доктор Генри Гуз. Перед тем, как отправится на корабле домой, он замечает раба, которого бьют плетью. А тот замечает его.
По сравнению со всеми остальными экранизация этого сегмента мне показалась наиболее верной первоисточнику. Её режиссурой, как и последующих двух историй, занимался непосредственно Том Тыквер, в то время как с четвертой по шестую снимали Лана и Энди Вачовски.
Вторая история начинается в Англии 1937 года и в книге является сборником писем, которые юный композитор Роберт Фробишер писал своему любовнику Руфусу Сиксмиту. В них он рассказывает о своем хождении в ученики потерявшему форму старому композитору Вивиану Эйрсу, с которым они постепенно срабатываются. Параллельно Роберт пишет произведение всей своей жизни – секстет «Облачный атлас». В силу последующих обстоятельств он кончает жизнь самоубийством, как и обещал в своем последнем письме, с которого начинается сюжет.
Эта история как и в книге, так и в фильме является моей любимой. В первую очередь из-за главного героя. Письма Роберта написаны ярким стилем и имеют свой особенный шарм. Да и сам персонаж мне показался жутко обаятельным. При переносе на экран пара сюжетных элементов было полностью вырезана. В частности, на экране так и не оказалась история влюбленности Роберта в дочь старого композитора Еву с трогательнейшей развязкой. Впрочем, это фильму не мешает и скорее хорошо, что его не загрузили ещё больше.
Третья история начинается в Буэнос-Айресе 1973 года и рассказывает о малоуспешной журналистке Луизе Рей, которой, по воле случая, пришлось просидеть некоторое время в сломанном лифте с ученым Руфусом Сиксмитом. Благодаря этому она попадает в хитросплетенный триллер, где главной целью станет донесение секретных материалов нужным людям с целью предотвращения взрыва атомной станции.
В книге эта часть предоставлена как рукопись начинающей писательницы, отправленная в издательство. В плане стилизации Митчелл молодец. Что никак не отменяет хоть и умышленно, но скучное и неровное повествование. Здорово, что при экранизации сюжет явно переработали, оставив лишь основные моменты. В итоге у Тыквера получилась вполне себе интересная, хоть и уступающая другим, история, заметно выигрывающая в сравнении с исходником.
У четвертой истории в книге нет точной даты. Единственной подсказкой можно назвать то, что в связи с победой на выборах Джорджа Буша-младшего главный герой разбил телевизор. Нетрудно догадаться, почему так – эта история должна происходить в настоящем. Отчего в фильме дата совпадает с годом выходом картины на экраны – 2012 год.
На вручении книжной премии в Лондоне издатель Тимоти Кавендиш находился вместе с одним из своих авторов, написавшем автобиографию на основе собственного криминального прошлого. Тот, после перепалки с критиком, швыряет обидчика с крыши, где и происходила церемония. Разумеется, книга автора-убийцы мгновенно стала бестселлером, что дало мистеру Кавендишу возможность заплатить все долги. Так как автор подписал бумаги о передаче прав издательству, тот решает попросить друзей, чтобы они забрали у Тимоти 50 тысяч долларов в течение двух дней. Для издателя это решительно невозможно, и потому он после долгих поисков решает попросить деньги у своего старшего брата. Тот же, по старой обиде, обманом отправляет брата в дом престарелых. Недолго думая, Тимоти решает совершить дерзкий побег.
Данная часть фильма выглядит в портфолио Ланы и Энди Вачовски как «Доктор Стрейнджлав, или Как я перестал волноваться и полюбил атомную бомбу» среди фильмов Стэнли Кубрика. Уж чего-чего, а комедии от них ждёшь меньше всего. В книге эта часть представлена как вероятная основа для сценария, описанная самим Тимоти. Не сказать, что это что-то выдающееся, но вполне любопытно. И, опять же, экранизация смотрится заметно выигрышней.
Пятая история происходит в городе Нью-Сеул 2144 года. Её рассказывает клон-официантка Сонми-451 архивариусу перед тем, как она предстанет перед судом Единодушия, который в любом случае приговорит её к смерти. Собственно, в книге история представлена как запись допроса.
Читая эту часть, меня просто убивало, что в захваченном корпорациями будущем некоторые вещи потеряли старые наименования и заменились названиями фирм. Любые хитроумные электронные устройства называются Сони, Мальборо стало синонимом сигарет и так далее. Особенно впадаешь в ступор, когда пару раз видишь термин «порнодисней». Лишь потом выясняется, что дисней стал синонимом фильма. Сильнее всего же притянуто за уши, что кодак стал синонимом фотографии – с нынешней-то смертью пленки как носителя. Хорошо, что при перенесении на экран от этой идеи отказались.
К сожалению, в фильме эту историю, которая была самой длинной в книге, серьезно обрезали, заметно сократив путь Сонми от рабыни до надежды человечества. Зато добавили крайне эффектную экшн-сцену, а все повествование сопровождают роскошные спецэффекты от самих Industrial Light & Magic Джорджа Лукаса. Что, мягко говоря, необычно для авторского кино. Не сказать, что вышел равноценный обмен, но всяко лучше, чем ничего.
И, наконец, шестая история. Происходит она спустя 100 с чем-то лет после какой-то катастрофы, произошедшей из-за истории Сонми-451. Пастух Закри связывается с некой женщиной из футуристической лодки. По договору он должен проводить её на главную вершину острова. Делать этого он не хочет, ведь там, как думают все в племени, находятся владения злобного духа Старого Джорджи.
Читая эту часть, мои глаза кровоточили. Дэвид Митчелл, посчитав себя самым умным, написал её как рассказ Закри у костра. Оно хоть и логично, что спустя больше четверти тысячелетия вместе с отрешенностью племени от плодов цивилизации речь может значительно поменяться, но читать от этого проще не становится. Я убил кучу времени, чтобы расшифровать написанное. В итоге у меня его не осталось для понимания самой истории. Слава богу, в фильме с языком сильно не заморачивались, лишь добавляя ненужные слова по типу «правда-истина».
Так что объединяет эти шесть историй? Во-первых, в каждой последующей истории есть прямая отсылка к предыдущей. Роберт Фробишер читает дневник Адама Юинга. Луиза Рей читает письма Роберта к Сиксмиту. Тимоти Кавендиш читает рукопись о приключениях Луизы. Сонми-451 смотрит фильм о похождениях Кавендиша. Племя Закри почитает Сонми как богиню.
Правда, при экранизации связь между третьей и четвертой историей едва заметна. Есть буквально пара кадров, в которой можно увидеть Тимоти, читающего рукопись под названием «Период полураспада: первое расследование Луизы Рей». Оно и, наверное, к лучшему. Связь историй, какая она была в книге, сомнительна, и заставляет думать, что как минимум половина истории была придумана автором рукописи. Ибо узнать в подробностях о тех событиях, которые там есть, она никак не могла.
Во-вторых, все шесть истории имеют общий мотив «главный герой показывает системе кукиш». Пусть некоторые из них не сразу понимают, что хотят этого. Адам Юинг не хочет быть пособником работорговцев. Роберт Фробишер не хочет быть слыть изгоем общества из-за своей сексуальной ориентации. Луиза Рей не хочет, чтобы из-за халатности владельцев атомной станции произошел взрыв. Тимоти Кавендиш, ясное дело, не хочет быть в доме престарелых. Сонми-451 не хочет подчиняться Единодушию. Закри не хочет, чтобы он и его родные умирали по воле соседних безумствующих и куда более сильных племен или от опасных желаний продвинутых иноземцев. Все эти персонажи идут наперекор устоявшейся системе, лишь бы добиться того, что сами считают правильным.
В-третьих, сюжетные основы второй половины сборника историй являются зеркальным отражением первой. Например, первая и шестая история. В них главный герой выполняет скорее пассивную роль, действуя в силу обстоятельств. Рядом с ним есть два персонажа. Один поддерживает его, другой мешает. При этом сам герой не уверен, кто из них какую роль выполняет. В конце он всё же выбирает неочевидного союзника и выруливает ситуацию.
Вторая и пятая история. Центральный персонаж больше не может делать то, чем он занимался раньше. При этом он не теряет надежды и пытается реализовать себя изо всех сил. В конце его ждет незавидная участь, но не обходится без положительных последствий.
Третья и четвертая история. Главный герой или героиня, казалось, хватает удачу за хвост, но в итоге всё складывается настолько плохо, насколько он или она и представить не могли. Но, находя поддержку в лице нескольких человек, выходит из неприятных обстоятельств.
И последнее, самое важное. Как самостоятельное произведение ни одна из историй не работает. Мораль этого сборника нам говорится напрямую: все истории будут повторяться вновь и вновь, и люди обречены совершать одни и те же ошибки. Вдобавок нам поясняют, что души после смерти не уходят, а возвращаются вновь и вновь. Но тут хотите верьте, хотите нет. Что фильм, что книга на этом не настаивают.
Как кинопроизведение, «Облачный атлас» одно из немногих, что взяло всё лучшее из первоисточника и мало того что не испортило материал, но и всячески старалось улучшить, что в большинстве случаев ему даже удалось.
Если искать минусы, то один всё же себя выдаёт – грим. Порой он просто великолепен, но иногда без него было бы лучше. Киту Дэвиду, сыгравшему предводителя группы сопротивления против Единодушия, не повезло больше всех – его лицо пугает неестественным видом. Забавно, что загримированных под мужчин женщин узнать крайне сложно, в то время как загримированных под женщин мужчин найти не составляет никакого труда.
Самым главным достоинством фильма являются его актёры. Каждый из них, кто играл главного героя, имеет ещё минимум четыре появления. Джим Стёрджесс, сыгравший Адама Юинга, также появляется в роли Хеджу Ченга, неоднократно спасавшего жизнь главной героини пятой истории. В свою очередь Пэ Ду На, сыгравшая Сонми-451, также появляется в роли Тильды, жены Юинга.
Бен Уишоу, появившийся в образе Роберта Фробишера, также исполнил роль продавца грампластинок, продавшего Луизе Рей секстет «Облачный атлас».
Холли Берри, сыгравшая Луизу Рей, также появилась в шестой истории как Мероним – девушка с футуристического корабля. А её появление в пятой истории узнать без подсказки, наверное, невозможно.
Единственный актер, все появления которого мне удалось разгадать – Том Хэнкс. Он был эксцентричным врачом в первой истории, работником отеля во второй, влюбившимся в главную героиню ученым в третьей, писателя-убийцу в четвертой и исполнителя роли Тимоти Кавендиша в пятой. А в шестой истории ему достался главный герой, где у него также были чувства к персонажу Холли Берри.
Также шесть не особенно больших появлений у Хью Гранта и Хьюго Уивинга, причем у обоих преобладают отрицательные персонажи.
Бюджет «Облачного атласа» составляет 102 миллиона долларов, что делает его одним из самым дорогих в мире независимых фильмом. То, как три режиссера взялись за такой полномасштабный проект, оставив его при этом скорее философской притчей, как это было с книгой, не может не поражать. Целью их, как и у всех других хороших фильмов, было показать историю как можно большему количеству людей – едва ли они надеялись на окупаемость в прокате. При этом фильм собрал 130, что вполне приличная сумма для независимого проекта, гарантирующая отсутствие огромных долгов. Как, например, это было у Френсиса Форда Копполы с «От всего сердца», из-за чего он очень долго испытывал проблемы с тем, чтобы снимать то, что он хочет. И на том спасибо.
10 из 10

#11 – Книга мастеров (2009)
Опубликовано 25 мая 2016 года
Русский фильм от Disney. Звучит как хорошая идея? Видимо, моя мама решила, что да, раз захотела пойти в кино на «Книгу Мастеров». В то время я ещё только начинал осознавать себя как киномана, и русским кинематографом пуган не был. Потому, наверное, и не видел проблем с тем, что б сходить с родителями в кинотеатр. А вот мой старший брат отказался. Скорее всего, потому что в то время он вообще не хотел куда-либо ходить с предками – переходный возраст, все дела. Но вполне могли быть и другие причины. Хотя бы то, что это русский фильм якобы от Disney.
А я сходил, и мне фильм тогда… понравился. Попридержите тухлые помидоры, сейчас всё объясню. Хоть я и сам могу только предполагать причины подобного аномального поведения семилетней давности. Пожалуй, больше всего мне понравился актер в главной роли. Нет, играет так себе, но не могу не признать, что он очень симпатичный. Словно вылез из аниме, по которому юные художницы уже успели создать множество яой-картинок. Ещё в фильме иногда красивая картинка. Леса, там, полянки, приятно глядеть. Учтите, что это я сейчас все плюсы фильма перечислил. Остальное в нём либо на нормальном, удовлетворительном уровне, или, что чаще, на плохом.
И нет, я не думал все эти годы, что он хороший. Примерно тогда же я открыл целый новый мир, который до сих пор пожирает моё время – YouTube. Первым русским видеоблогером, которого я там встретил, был Руслан Усачев. У него была всего одна передача – «Вредное Кино», и она выходила каждую неделю, а не раз в год. Первый выпуск был именно что о «Книге Мастеров». Посмотрев, я по большей части согласился, думая как-то вроде: «Раз он говорит, что кино плохое, то ок, я же не мазохист, чтоб проверять и пересматривать». Не то чтобы я сейчас не рекомендовал смотреть этот ролик. Но при просмотре стоит помнить, что у автора тогда не было никакого опыта создания видео, отчего и качество соответствующее.
Если вы сколь-нибудь изучали, как работает кино, то наверняка слышали, что для лучшего восприятия зрителем монтаж между сценами должен быть переходным. Например, иметь общую деталь или работать на контрасте. Как вы догадались, создатели «Книги Мастеров» этот совет яро игнорируют, ведь у них есть книга (да, как в «Белоснежке…» и прочих, Disney же) с кучей уродливых двухмерных изображений, трансформирующихся в кадры. Поначалу этой книгой для перехода от сцены к сцене яро злоупотребляют. Потом о ней забывают. Ближе к концу – вспоминают и снова используют.
А знаете, какой у фильма последний кадр? Именно, переход с нормального снятого с живыми актерами изображения в жуткое подобие ротоскопии. Чтобы у вас под конец остались максимально негативное впечатление от фильма, надо полагать. Хотя потом ещё появляется бабка, работавшая закадровым рассказчиком, но это даже не считается.
Что еще меня в фильме выбесило – звукорежиссура. Вроде делали фильм по русским сказкам, но при этом тут неприлично много звуков из западных мультфильмов прошлого века. Зачем это надо непонятно. Тем более, что советская анимация таким никогда не страдала и потому подобное чувствуется исключительно инородно. Тут даже один раз используется эффект мгновенного ухода. Удивительно, что они там не сделали так, что бы сначала убежало тело, и только потом голова. Это же так в духе Тэкса Эвери! И, судя по всему, создатели вдохновлялись именно им, а не родными сказками и их экранизациями. До кучи всего здесь есть звук включения светового меча, даже клинок на экране голубым подсветили, чтоб до всех дошла эта бестолковая отсылка к Звездным войнам.
Что ещё говорит о том, что кинематографистам не было никакого дела до русского наследия – это абсолютно новый сюжет с Каменной княжной и прочей отсебятиной. Ничего интересного собой он не представляет, а логика там хромает на все конечности. Хотя во второй половине фильм вдруг вспоминает, что надо отработать звание экранизации русских сказок чем-то кроме присутствия бабы-яги в сюжете, даже вставляет мета-юмор. Но он выглядит так неуместно и сами шутки настолько слабы, что становится неловко за происходящее на экране (в смысле больше, чем обычно). Если что-то тут и не расстраивает окончательно, так это гопник-Кощей в исполнении Гоши Куценко. Но и его от силы пару минут показывают.
Картина семейная, но шутят про бухло. Сказочная – но с бесконечными топорными отсылками к современности. Про приключения – но преимущественно о проблемах женитьбы и социальном неравенстве. Всё не так, всё не так… Ничего лучше, чем бездна забвения, «Книга Мастеров» не заслуживает. Нетрудно догадаться, почему только сейчас в Disney решились на новый фильм, теперь – про богатыря. Будем надеяться на лучшее, так как горького опыта не занимать.
3 из 10
P.S. Оказалось, что этот новый фильм – «Последний Богатырь», ставший одним из самых кассовых картин в истории российского проката и просто куда более смотрибельным, чем предшественник. Ура, наверное.

#12 – Час пик (1998)
Опубликовано 1 июня 2016 года
Одним из самых первых боевиков, что я видел в жизни, был «Час пик». Его часто показывали по телевизору, и потому мы с братом неоднократно натыкались на него в эфире. Именно благодаря ему я узнал о том, кто такой Джеки Чан и чем он крут. Не хотелось бы разбрасываться громкими словами, но скажу – отчасти «Час пик» сформировал некоторые мои вкусы в кино. Во времена первого знакомства с лентой я видел не так уж много фильмов в своей жизни. Вполне возможно, это было моё первое кино, по идее не предназначавшееся для детского просмотра.
Какие же именно вкусы он у меня сформировал? Да гляньте хоть на начальные титры – они прекрасны. Этот полумрак, эффектная музыка Лало Шифрина, яхта на пристани, в которой герой Чана инспектор Ли решительно проворачивает свою операцию… Такие элементы создают отличный настрой на восприятие всей картины и малопонятные мне тогда всплывающие латинские буквы никак не мешали. Теперь, когда современные блокбастеры активно отказываются от подобных вступлений, эта сцена воспринимается ещё лучше.
Я вообще люблю начальные титры, если только в них не перечисляют полностью всех создателей, как в старом кино. Это отличный способ погрузить в атмосферу, подготовить к тому, что только предстоит увидеть. Настроить на нужный лад, заодно познакомив с ключевым составом создателей. Поэтому, если приводить примеры из недавних картин, я жутко радовался, наблюдая за разгуливающим в начале Крисом Праттом в «Стражах Галактики». И плевался, когда увидел, во что превратили эту славную традицию в «Дэдпуле». А вот в «Часе пике» всё как надо. Его вступление стало неким эталоном, с которым я подсознательно сравниваю прочие начала других фильмов.
В конце сегмента Ли приходится сразиться с одним из главных плохих парней ленты – блондином-азиатом Соном. Я был поражен, когда узнал, что его играет Кен Люн, которого я запомнил по роли в «Остаться в живых» из четвертого сезона и далее. Но вообще ему удалось много где появляться, совсем недавно вот засветился в «Звёздных войнах: Пробуждение Силы». Долгое время я думал, что Сона играл кто-то ещё. Рад узнать, что одного из моих самых любимых приспешников злодея в истории кино сыграл именно он. Всё-таки Люн здесь чертовки хорош и эффектен. Я бы даже сказал, что он любимый герой в фильме.
Не беспокойтесь, я помню, что тут ещё есть Крис Такер. Мне он вполне нравится, даже со своей неостановимой болтовнёй и кривляньями. Пусть в детстве я не понимал часть его шуток, в том числе про травку. Его герой отлично срабатывает сначала как антипод Ли, а по мере развития событий ты веришь в дружбу этих двоих. Не в последнюю очередь благодаря слегка неловкому, но тем и очаровывающему их взаимодействию.
Я всегда был плох в понимании детективных историй. Никогда особо не получалось разгадать загадку до того, как нам её объяснят на пальцах. Речь, конечно, про хорошие истории, но мне даже в фильмах и сериалах про Скуби-Ду не получается заранее разгадать, кто человек в костюме. Настолько я профан. Так что и в этом «Час пик» порадовал – создатели даже не запариваются сделать вокруг главного злодея загадку, но при этом и не выпячивают его. Акцент тут не на самом разгадывании злодейский план, а на том, как двое главных героев вопреки ФБР, друг другу и прочим обстоятельствам доходят до истины. Сам план вполне логичный и понятный, в него несложно поверить. К тому же он не перегружен ничем лишним.
Говорят, в гонконгских фильмах у Джеки Чана трюков больше и они интереснее, но мне их хватило и здесь. Будь то драка с прикрепленным наручниками рулём или падение с огромной высоты на растяжку – любая сцена выглядит если и не эффектно, то как минимум интересно.
Фильм легкий и динамичный, ни на что не претендующий и всего с парочкой провисающих сцен. «Час пик» важен для меня с исторической точки зрения как картина, повлиявшая на вкусы. Но подобное не значит, что из-за этого я завышаю ему оценку. Он ведь и сам прекрасно справляется со своей ролью незатейливого комедийного боевика, который вполне неплохо смотрится и сейчас. Удивительно, что это всего лишь вторая полнометражная работа Бретта Рэтнера.
8 из 10

#13 – Красавица и Чудовище (1991)
Опубликовано 8 июня 2016 года
Впервые посмотрев диснеевскую «Красавицу и Чудовище», я возненавидел её. Странно, знаю. Так уж получилось, что каждые пару минут находилось что-то, от чего хотелось плеваться. На тот момент я ещё не смотрел «Холодное Сердце» и потому ни к мюзиклам, ни к фильмам о принцессах любви не питал. Не исключено, что я был излишне предвзят, думая, мол: «Давай, первый анимационный фильм, получивший номинацию как лучший фильм на "Оскарах", покажи, на что способен!». В каком-то смысле теперь, повзрослев и лучше относясь к девчачьим штукам, я был просто обязан дать картине второй шанс.
Но для начала разберемся со слоном в комнате – завязка у картины просто вымораживающая. Только вдумайтесь: в двери замка, где живет принц (и даже не задавайтесь вопросом, где родители, король с королевой, или чем они правят – всё равно не скажут), стучится какая-то старуха и просит пожить, предлагая оплатой розочку. Розочку! Да кто бы не принял её за умалишенную и не отправил куда подальше? Она вообще должна быть благодарна, что ей открыл дверь именно принц – насколько я знаю, таким обычно занимаются слуги.
Тем не менее: старуха оказывается волшебницей, и она проклинает его звериным обликом, угрожая, что если он не найдет взаимную любовь до 21 года, то останется таким навсегда. Стоп, 21 год? Что за конкретное определение, откуда оно взялось, по возрастному ограничению продажи алкогольной продукции в США? Да и сколько тогда ему было на время начала проклятия? Судя по изображению в виде церковных витражей в начале, он уже был вполне матерый. При этом в середине фильма мы узнаем из разговора прислуги, что проклятию уже 10 лет. То есть пацану тогда было 11 или даже меньше? Ладно, это сказка, но такие условности уже за гранью миропонимания.
Чтобы подытожить негодование, позвольте последний вопрос: зачем прислугу наказывать-то? Тем более так изощренно. Надо ещё додуматься превращать людей в бытовые предметы. Но ведь не только людей, даже собачку в подставку для ног превратили. Если кто-то и виноват в том, что чокнутая ведьма нашла некого юнца слишком самовлюбленным, так это нянька, и то она лишь выполняла свою работу. От одного обдумывания всего этого голова болит. Не знаю, сколько тут от сказки-первоисточника. Если и много, то мне почему-то всё равно. Это ни в коем случае не оправдание для мракобесия, которым пропитана завязка фильма.
Фух, разобрались, теперь можно и о хорошем. Надо признать, часть вещей, к которым я прикапывался при знакомстве с мультфильмом, при пересмотре оказались весьма надуманными или вовсе высосанными из пальца. Серьезно, забираю свои слова назад насчет ненависти киноленты к матерям. В конце концов, это даже не мной придумано, а какой-то параноидальной русской передачей, я лишь был впечатлительным подростком и повторял как попугай. Но при этом все ещё считаю, что в фильме положительно отзываются об супружеской измене, хоть это утверждение основано лишь на шуточной реплике из одной песни. Как можно догадаться, это больше говорит обо мне, чем о самом фильме.
Кстати, о песнях – они вызывают смешанное впечатление. Песня, через которую проходит примирение между Белль и принцем и зарождением у них романтических чувств, на удивление хороша. Она очень кратко, ясно и доходчиво показывает отношение обоих героев к происходящему. И это прекрасно. Также песня Гастона, вроде-как-злодея, вполне забавна.
Увы, при всем этом у большинства песен мультфильма есть два минуса: мелодии в них порой кажутся уж слишком похожими и бывают случаи, когда в их текстах напрямую выдаётся подтекст происходящего. Скажем, когда жители деревни идут к замку Чудовища с вилами и факелами, они поют, что «боятся того, что не понимают». С таким же успехом авторы могли просто выйти на сцену с мегафоном и зачитать мораль истории, а всю анимацию выкинуть на помойку. Будет так же целесообразно, но при этом сэкономит время и им, и нам. Странно, но в какой-нибудь «Русалочке» у композитора Алана Менкена и автора текстов песен Ховарда Эшмана таких проблем нет, все песни были разные и не было таких проблем с текстом. Уж не знаю, какая муха их укусила при работе над «Красавицей и Чудовищем».
Про анимацию я всё же несколько перегнул палку, ибо она тут слишком хороша, чтобы выбрасывать. Особенно мне понравилось как анимировали лицо Чудовища – те, кто над ним работал, явно получали огромное удовольствие. Оно такое живое и комичное, но при этом может быть и, как обязывает внешность героя, грозным, что диву даешься. На фоне подобного великолепия Белль даже слегка блекнет, особенно пара её слишком театральных движений. Опять же, эту героиню срисовывали с Шерри Стоунер, которая таким же образом «играла» главную роль в «Русалочке», и там подобной проблемы не наблюдалось.
Не помогает ещё и то, что порой на фоне задников персонажи смотрятся слегка неестественно, отчего их «двумерная» природа выпячивается больше, чем надо. То ли дело в не совсем верной прорисовке теней или ещё в чем, но такую проблему вообще непривычно видеть во высокобюджетной диснеевской анимации.
Подобным образом я ещё долго могу разбирать «Красавицу и Чудовище». Стоит мне похвалить что-то одно, как тут же всплывет нечто, вызывающее ещё парочку ненужных вопросов. В целом можно сказать, что половина элементов фильма мне нравится, а вторая – нет. К сожалению, такое равновесие не говорит в пользу фильма. Но в любом случае сейчас я отношусь к картине заметно лучше, чем раньше. Кто знает, как поменяется мое мнение при новом её пересмотре.
5 из 10

#14 – Заложница (2007)
Опубликовано 15 июня 2016 года
Я обожаю Лиама Нисона. А как иначе? Этому ирландцу все по плечу. Даже если, будем честны, он облажается в каком-нибудь «Миллион способов потерять голову», то в следующем фильме того же режиссера – «Третьем Лишнем 2» – так мастерски отыграет камео, что ты тут же готов ему всё простить. То, что после «Заложницы» он стал настоящей экшн-звездой, ничуть не удивляет. Хотя бы потому, что ещё в вышедшем восемью годами ранее первом эпизоде Звёздных войн он ничуть не оплошал. Впрочем, световой меч и пистолет – вещи разные, так что было бы глупо делать однозначные выводы.
Однажды, после дня рождения, я гулял по городу, заглядывая во всяческие магазины, и в одном из них как раз таки и нашёл Blu-ray с этим фильмом. Я его на тот момент не смотрел, но слышал самые разные положительные отзывы. Стоил он совсем дешево, так что грех было не приобрести. Тогда я его посмотрел в оригинале с субтитрами и мне он вполне понравился.
И вот совсем недавно батя захотел посмотреть какой-нибудь боевичок. Обратившись к своей библиотеке дисков, я в первую очередь предложил ему «Безумного Макса: Дорогу Ярости», на что он спросил: «Фантастика?». Для справки: слово «фантастика» в моей семье воспринимается как ругательство, ибо в у всех (кроме меня, видимо) аллергия на этот жанр. Я порой пытаюсь доказать, что подобная реакция глупа и необоснованна, но конкретно тогда мне спорить не хотелось. Недолго перебирая диски, я нашел «Заложницу». Смотрели мы её, конечно, в дубляже, ведь субтитры – ещё одна вещь, на которую в моей семье аллергия. Но, полагаю, бате все же пришлось слегка помучиться, ибо французская речь в фильме не продублирована. Тут, впрочем, я и сам был вовсе не против, ибо благодаря этому новое знакомство с фильмом приобрело какое-никакое, да разнообразие. К тому же Владимира Антоника, регулярно отвечающего у нас за голос Нисона, я рад слышать всегда и везде.
Новый просмотр никак мнение не изменил. Это все ещё вполне крепкий боевик, выигрывающий прежде всего благодаря суровому Лиаму Нисону и краткому хронометражу. Очевидно, Люк Бессон знал, что делал, когда запускал фильм в производство и понимал, кого пригласить на главную роль. В конце концов, ведь именно он придумал превратить того лысого гопника из фильмов Гая Ричи в бессменную звезду боевиков в «Перевозчике» – и вышло у него это даже слишком успешно. Ещё одним толковым решением с его стороны было взять оператора того же «Перевозчика» и показавшего себя как толкового постановщика в оригинальном «13-ом районе» Пьера Мореля и усадить в режиссерское кресло.
Сработало на ура. У нас тут вполне неплохая завязка сюжета с отставным офицером Брайаном Миллсом, который хочет наверстать упущенное из-за работы время с дочкой Ким (Мэгги Грэйс). Получается так себе, ибо его жена (Фамке Янсенн) вместе с ребенком ушла от него к какому-то богачу. Но сейчас всё приобрело куда более зловещий оборот, поскольку его кровинушку похищают в Париже. Тут, понятно, у героя Нисона и выбора нет, кроме как лететь в столицу Франции и разбираться на месте со злыми албанцами, похищающих юных особ и использующих их во всяких нехороших целях. Завязка для экшена более чем достойная, тем более с парой интересных мелочей типа маниакального подхода Брайана к покупке подарка дочери на день рождения, которую он даже вскользь упоминает во время операции по спасению.
Но не обошлось и без сомнительных элементов. Лучше всего мне запомнился момент, когда Миллс берет карту памяти телефона (не помню, чтобы в 2007-ом кнопочные телефоны уже с microSD работали, но неважно) и вставляет её в какую-то будку посреди города. Там он находит фотку, где в отражении видно парня, который навел бандитов на его дочь. Но, конечно, качество фотографий на телефонах того времени было плачевным, отчего рассмотреть его невозможно. К счастью, в этой левой будке есть магическая кнопка, с помощью которой можно значительно улучшить качество фотографии. И ладно бы, если эта тупость была действительно важна для сюжета – так нет, в последствии взятый след привел в никуда. И зачем, скажите, тогда надо было прибегать к таким глупостям?
Но пока суровый Лиам Нисон бьет морды кому надо и творит прочую жестокость, а сюжет дает хоть какие-то причины переживать за его героя, не скатываясь в полный маразм, то такие мелочи я вполне переживу. Благо, и снято все хорошо, и постановка сражений достойная.
7 из 10

#15 – Звездные войны: Эпизод I – Скрытая угроза (1999)
Опубликовано 29 июня 2016 года
Если спросить, с какого эпизода начинать смотреть космическую сагу Джорджа Лукаса, большинство разбирающихся в вопросе ответит, что с четвертого. Он ведь первым вышел в прокат, ещё в 77-ом, и назывался тогда просто – «Звездные войны». История с путаной нумерацией дала о себе знать только в 1980, когда в начальных титрах сиквела засветилась надпись «Эпизод V», но к этому мы ещё когда-нибудь вернемся. Главная причина, почему не стоит знакомиться с сагой в её хронологическом порядке – это сам первый эпизод, «Скрытая угроза». Мягко говоря, люди в его отношении куда менее однозначны, чем по отношению к оригинальной трилогии.
Но почему-то каналу ТНТ на это было наплевать. Если он и показывал эти фильмы, то все сразу и именно по хронологическому порядку внутри серии. Потому я знаю, кто виноват, что именно «Звездные войны: Эпизод I – Скрытая угроза» стал первым фильмом серии, который я посмотрел полностью. Но знаете что? Мне это помешало стать фанатом серии вообще никак. Нельзя сказать, что за годы пересмотров (так получилось, что именно на эту часть я натыкался чаще всего) моё мнение не менялось, но в целом я всегда сходился в одном – кино мне нравилось.
Конечно, его недостатки за милю видно. «Налогообложение торговых путей» – звучит как фраза, убивающее всё веселье вокруг себя, не правда ли? Просто олицетворение того, что не так с лентой. А она упоминается ещё в начальных тирах и также неоднократно звучит по ходу действия. Будьте уверены, стоит ей только появиться – и от сцены ничего хорошего лучше не ждать. Притом, что теме политики в фильме уделяется больше времени, чем стоило бы, раскрыта она довольно инфантильно. Да, парочка умных слов, но за ними не стоит никаких по-настоящему интересных интриг или сложных дилемм.
Та же смена канцлера не вызывает никакой реакции хотя бы потому, что мы понятия не имеем, кто был этот Веролум и почему его заменили именно сенатором с Набу. Конечно, кроме того, что он из политиков фильма ближе всего к главным героям. Если смотреть на трилогию в целом, то в происходящем появляется больше смысла, хоть и довольно циничного. Но отдельно в этой картине такое попросту не работает и потому не нужно, что уже само по себе плохо. Да и вся сага спокойно пережила бы и без объяснения политических интриг.
Но почему-то много людей не считают политику главной проблемой «Скрытой угрозы», и вместо неё таковой называют Джа-Джа Бинкса. Про него мое мнение менялось сильнее всего: раньше я считал его забавным, а теперь… нормальным. Полагаю, это действительно расистский персонаж, но называть его лишь негативным отображением некой группы людей – это уже стереотипичное отношение к тому, какими должны быть пришельцы. Насколько я знаю, к такому явлению ещё не придумали слово, оканчивающее на «изм». Если вас раздражает его поведение и связанные с ним аж целых две относительно невинных шутки про вляпывание в испражнения, то без проблем. Только разве этого достаточно, чтобы оправдать всю ненависть интернета к нему? Полагаю, дело ещё в том, что он по идее лишь сомнительный комедийно-разгрузочный герой, но при этом является сюжетообразующим, отчего проводит на экране неприлично много времени. Но для меня это проблемой не было.
Нет смысла спорить, что в «Скрытой угрозе» есть два момента, которые нравятся большинству: гонки на подах и финальная драка на мечах. И то, и то ни просто было невиданным на момент выхода. Оба момента ни на йоту не испортились за 17 лет и это всё ещё образец для подражания всем тем, кто хочет делать подобные сцены. В случае гонок футуристических устройств с гигантскими турбинами впечатляет всё: великолепные спецэффекты, монтаж как в лучших фильмах про спортивные автогонки и особенно работа Бена Бёррта, живой легенды звукового дизайна. То, как звучит эта гонка, вызывает у меня неподдельный восторг. Каждая мелочь в ней идеально подобрана, создавая некую поразительную симфонию, в которой оркестр – звук неземных моторов.
О драке Дарта Мола с Квай-Гон Джинном и Оби-Ваном Кеноби и говорить неловко. Когда звучит Duel of the Fates Джона Уильямса, ты сразу понимаешь, что нас ждет потрясающая битва. Всё в ней как надо, включая мощное начало, неожиданные моменты, вынужденные передышки, трагический момент и мгновенная карма. Хоть в палату мер и весов отправляй. А ведь и без этих сцен тут есть перестрелки, бои в космосе, взрывы гигантских космических станций (забавно, что подобный элемент есть во всех трех началах трилогий Звездных воин) и прочие радости жизни.
Из более спорного отмечу актерскую игру. Жители Британских островов в ЗВ всегда хороши. Неважно, идет ли сейчас речь о своевольном наставнике Квай-Гоне в исполнении ирландца Лиама Нисона или шотландец Юэн МакКрэгор как его ученик Оби-Ван, которого учитель называет даже более мудрым, чем себя. Не всем нравится юный Джек Ллойд в роли Энакина Скайуокера. Но я его нахожу вполне подходящим на эту роль. Смотришь на него и понимаешь, почему Квай-Гон поступается кодексом и все же забирает его с родной планеты, чтоб научить быть джедаем, хранителем мира в галактике. Натали Портман здесь не выдает каких-то актерских вершин, но видеть её совсем молодой и ещё задолго до того, как она стала откровенно лениться в фильмах про Тора, уже радостно.
Наблюдая за последующими появлениями Дарта Мола в сериалах по вселенной Звездных войн «Войны клонов» и «Повстанцы», я задавался вопросом – почему он там так много болтает? Ведь в своем первом появлении – а именно как Рэй Паркер в «Скрытой угрозе» – он почти ничего говорит. И нашел ответ: просто конкретно в этом фильме он стесняется. Я не шучу, вы посмотрите на сцену, где он общается лично со своим наставником-ситхом. Его предложения развернутые, ничто не выдает, что он любитель краткости. Он прям как та девушка из старших классов школы, по которой я сох пару лет – тем, кому они не доверяют, они и слова не скажут, но в присутствии знакомых ничто её не стесняет. Она, кстати, тоже была потрясающая злодейка.
О том, что режиссер и сценарист сего чуда Джордж Лукас – не лучший сценарист, мы ещё успеем поговорить. А пока что я лишь хочу сказать, что, несмотря на явные проблемы, в фильме хватает достоинств, благодаря которым он заслуживает просмотра. Даже из чисто исторического любопытства – всё-таки он неслабо повлиял на мировую поп-культуру какой мы её знаем.
7 из 10

#16 – Школа клонов (2002 – 2003)
Опубликовано 6 июля 2016 года
Кому-то везет с дебютами, кому-то – нет. Сэм Рейми стартовал с культовых «Зловещих мертвецов», а Эдгар Райт – с доступного только на кассетах низкобюджетного комедийного трэша «За пригоршню пальцев». Фил Лорд и Кристофер Миллер, ныне крайне востребованные в Голливуде режиссеры и сценаристы, начинали свой путь на телевидение. Режиссерским дебютом друзей стал именно что сериал, а не фильм. «Школа клонов» просуществовала один сезон на канале MTV. Также Фил и Крис значатся авторами идеи сериала вместе с Биллом Лоуренсом, создателем «Клиники».
Говорите что хотите о канале 2х2, его спорной политике и так далее, но именно благодаря ему я увидел множество самых разных мультсериалов. Конечно, о них можно было узнать и в интернете. Но когда есть общая площадка, которая при этом предоставляет далеко не самые плохие переводы на них, то становится как-то проще. Именно в эфире этого канала я впервые наткнулся на «Школу клонов». Посмотрел не так много серий, но в целом мультсериал оставил скорее положительные впечатления.
Прошли годы, я влюбился в «Клинику» и творчество Фила Лорда и Криса Миллера. Так что когда я вспомнил о этом сериале, то первой мыслью было что-то вроде: «О господи! Сериал от них да ещё от него! Как я мог такое не посмотреть полностью? И как сам сериал мог просуществовать лишь один сезон?». Оказалось, всё просто – в нём слишком много всего.
Как же это может быть минусом? Дело в том, что в сериале не ощущается целостности. Вот ты привыкаешь по первым сериям, что это по большей части ситком как «Симпсоны» – и тут внезапно появляется жестокость уровня «Южного Парка». Причем делает он это всего в паре-тройке серий, отчего возникает вопрос – а действительно ли это надо? «Школа клонов» пытается усидеть на сразу нескольких стульях. Она старается развивать персонажей и сюжетные линии сквозь серии, не придерживаясь классической формулы ситкомов «к концу все возвращается на круги своя» (хотя по некоторым сериям такое не скажешь), но при этом склонен к откровенно нелепым и абсурдным шуткам, в которых персонажи введут себя в несвойственной им манере.
С относительно проработанным бэкграундом и какими-никакими, но живыми персонажами, которые по разному относятся к тому, что они лишь клоны великих людей, живущие в приемных семьях и ходящие в начальную школу в самом начале 21-ого века, ты ожидаешь от сериала самоиронии, но не абсолютного абсурда. Само по себе здорово, что шоу удается органично переплетать подростковые переживания, юмор насчет взаимодействия исторических личностей и фарсовость происходящего. Но ничего удивительного, что создатели порой не могут совладать с собственной планкой качества.
Лучше всего это видно именно по любовному углу из Жанны Дарк, Абрахама Линкольна и Клеопатры (привычнее «треугольник», но так как лишь один его участник связан чувствами с обоих сторон, то лучше скажу так). Любовные перипетии в нем банальны донельзя. С этим связано немало интересных шуток, но их попросту недостаточно для полной компенсации штампов.
Кстати, забавное совпадение: во главе повествования сериала стоят три давних друга: честный неудачник (Эйб Линкольн), девушка (Жанна Дарк) в одежде гота, скверным характером и влюбленностью в того самого друга и смугловатый экстраверт (Ганди), чьи попытки быть «своим» в школьной тусовке с треском проваливаются. Этим характеристикам абсолютно точно соответствует троица из мультсериала «Дэнни-призрак». Так как разница в выходах сериалов довольно мизерная и направленны они на разную аудиторию, то стоит говорить скорее о чистой воды совпадении. Возможно, само начало нулевых своей атмосферой навевали подобных героев, кто знает.
Ещё одна спорная вещь – рисовка. Конечно, учитывая скорее взрослую направленность и упор на разговорный юмор, ставка на карикатурное изображение героев логична. Но за все 13 серий я так и не смог привыкнуть к косым глазам с выпуклой круглой задницей Джона Ф. Кеннеди и неестественной осанке Жанны Дарк. Хотя понимаю, что это достаточно субъективная оценка.
Несмотря на все проблемы, мультсериал действительно смешной и оригинальный. По нему уже видно, что Фил Лорд и Крис Миллер – люди по-настоящему остроумные, способные вытянуть любой материал. Особенно хороши оказались директор Скадворт (озвученный, между прочим, Филом Лордом) и его робот-дворецкий, который крадет каждую свою сцену ровно так же, как и R2D2 в 3-6 эпизодах Звездных войн.
Рискну предположить, что такая свобода действий под крылом создателя «Клиники» сыграла с Филом и Крисом злую шутку – они просто не справились с материалом, не смогли удержать его в узде. Тем не менее, «Школа клонов» – сериал как минимум любопытный, его определенно стоит посмотреть любителям других творений этих двоих. Помню, как люди, в число которых входил и я, недоумевали, что создатели «Облачно, возможны осадки в виде фрикаделек» делают комедию со взрослым рейтингом («Джамп Стрит, 21») – они, судя по всему, не знали, что до них был этот сериал.
7 из 10

#17 – Ледниковый период (2002)
Опубликовано 13 июля 2016 года
В детстве я редко ходил в кинотеатр, и потому неплохо помню каждый свой новый поход в зал с гигантским экраном. Впервые в жизни я там оказался вместе со своей группой из детского сада в 2002-ом году, за несколько месяцев до начала обучения в школе. Мы пошли в только-только отреставрированной кинотеатр «Космос», который мог похвастаться звуковой системой Dolby Surround 5.1. Кому же выпала честь стать первым фильмом, что я увижу в кинотеатре? Да, это был «Ледниковый период» – первый опыт Blue Sky Studios на поле создания полнометражных мультфильмов.
Люди, стоящие за студией – настоящие ветераны своего дела. Её соучредитель Крис Уэдж работал в своё время ещё над «Троном» 1982 года. В 1990 он встретил Карлоса Салдану, которого пригласил художником в не так давно открывшуюся Blue Sky. А в 1999, когда вышел «Бойцовский Клуб», где был нарисованный этой студией пингвин, Уэдж получил «Оскар» за короткометражку «Банни». На тот момент из студий, занимавшихся трехмерной анимацией, подобное достижение было только у Pixar. Так что неудивительно, что три года спустя появилась уже полнометражная работа студии, за рулём которой был именно что Уэдж. Но не один, а уже с давним партнером Салданой.
Нельзя не заметить, что за 14 лет графика несколько устарела. Идеальной иллюстрацией этого служит финальная сцена, где на песчаном пляже песка нет, а только трескающийся как камень светло-коричневый пластик. Да и то, как тогда делали снег, кардинально отличается от нынешних методов крупных студий.
Тем не менее, «Ледниковый период» с визуальной точки зрения примечателен тем, что всё в нем придерживается определенного стиля и это серьезно помогает в общем восприятии. Скажем, если в «Хорошем динозавре» люди жаловались, будто мультяшные персонажи в таком фотореалистичном окружении выглядят уж больно странно, то здесь такой проблемы нет. Стоит только приглядеться к формам и линиям на камнях или же тому, как именно идет излом в начале и конце фильма, то нетрудно представить, как это выглядело на ранних эскизах раскадровки. Главные герои на этих раскадровках смотрелись бы уместно, так что за художественную целостность фильму однозначно плюс.
Про вступление с саблезубой белкой Скрэтом (которую, кстати, озвучивает режиссер Уэдж) я говорить не буду – она в своем роде стала классикой. А вот когда дошло дело до говорящих зверей, в том числе гигантского ленивца Сида (Джон Легуизамо), то нас встречают очень неприятной мелочью. А именно тем, как Сид пытается стряхнуть экскременты, в которые случайно наступил. Мало того, что эта шутка мерзка сама по себе, так ещё и затянута. Мы даже видим, как коричневые маленькие кругляшки трехмерной анимации летят в глаз носорогу. Как ни странно, но это вообще единственная подобная шутка в фильме и мне искренне непонятно, как она сохранилась в итоговом продукте.
В фильме не так уж много сюжетного повествования. Нам лишь объясняют, почему нелегкая свела в одну компанию мамонта Мэнни (Рэй Романо), ленивца и саблезубого тигра Диего (Дэнис Лири) в одну стаю и как в стечении обстоятельств – в основном из-за человеческого младенца, которого Сид хочет вернуть людям – они становятся друзьями. Картину легко разделить на сцены в своем сознании, и, вспоминая, ты прежде вылавливаешь в памяти отдельные моменты, а не цельную картину. Можно даже поэкспериментировать. Что вспомнится раньше: сцена с похищением арбуза или побег от разбушевавшегося вулкана? Как ни странно, это играет фильму на пользу: он запоминается как фильм-приключение, будто ленты о Индиане Джонсе (если считаете, что я перегнул палку – напишите об этом в комментариях). Когда фильм вновь показывают по телевизору, то в него тут же вливаешься. В целом картина не надоедает с каждым новым пересмотром. Если, конечно, они не происходят слишком часто.
Меня всегда удивляло, что оригинальный «Ледниковый период» заметно отличается от своих сиквелов. Лучше всего это видно по тому, что только в этой части есть люди. Причем скорее доисторические люди, но уже с племенным строем и прирученными волками, что по идее заметно приближает действо фильма к нашему времени. А так как мы понимаем речь животных, то не понимаем людей. Это отличная находка, заметно добавляющая веса мультфильму как не просто безделушке с говорящими животными.
Также тут есть пара очень толковых драматических сцен, вроде тех, где умирающая мать передаёт младенца, с надеждой смотря в глаза мамонту. Или когда ребенка уже встречают сородичи в конце. Ко всему этому ещё здорово вплетена предыстория Мэнни, в которой легко понять, почему в начале картины он такой грубый и не идет вместе с остальными зверьми на юг.
Очень хорошо подчеркивает происходящее музыка Дэвида Ньюмана, а монтаж с путешествием в середине под Ruster Root – Send Me on My Way уже настолько залип в памяти, что становится просто невозможно воспринимать песню отдельно от фильма.
А ещё я всегда любил доисторических зверей. То есть я вообще зверей люблю, но вот вымершие экземпляры зачастую вызывают особый интерес. Полагаю, это тоже повлияло на восприятие.
8 из 10

#18 – Звездные войны: Эпизод II – Атака клонов (2002)
Опубликовано 20 июля 2016 года
Однажды, летом 2004 года, в телевизоре спальни моих родителей был включен Первый канал. На нём шел некий фильм, в котором одному роботу оттяпали голову и присоединили к другому и наоборот. Возможно, там было и ещё что-то, на что я не обратил внимание. Но я четко запомнил историю с роботом, который шёл по полю с оружием и сказал: «Смерть джедайским псам!.. Ой, что это я говорю». После одного из уходов на рекламу появилась плашка, на которой было написано название картины – «Звездные войны: Эпизод II – Атака клонов». Да, это было моё первое соприкосновение с киносагой в жизни. По крайней мере, из тех, что могу вспомнить.
Среди всех Звездных войн о втором эпизоде говорят меньше всего. И не удивительно, ведь на самом деле именно он худший во всей серии. Но не из-за того, что он чем-то особенно плох (хотя такое есть), а прежде всего из-за невзрачности. В нём вроде как произошли важные события вроде появления конфликта Республики и Сепаратистов, приведшей к Войне клонов, как и в плане зарождения сущности Дарта Вейдера – всего лишь одного из самых крутых злодеев в истории человечества. Но подано это как-то… необязательно. Не особо помогает и то, что расклеивающиеся сюжетные линии фильма соединяются благодаря очень удобному стечению обстоятельств: между планетами Татуин и Джеонозис, где находятся главные герои перед началом третьего акта, менее одного парсека. Это, если кто не понял, мало.
К первому и третьему эпизоду Джордж Лукас писал сценарий единолично, а вот в титрах «Атаки Клонов» указан ещё один автор, Джонатан Хэйлс, также работавший над фильмами про приключения юного Индиана Джонса. В целом найти у него среди реализованных проектов что-то действительно интересное не получится. Почему Лукас не позвал в помощники настоящего мастера вроде того же Лоуренса Кэздана, так здорово поработавшего над V и VI эпизодах, непонятно.
У первого эпизода были проблемы. Решил ли их второй? Нет, но зато понаделал новых. Лучше всего это видно по отношениям юного джедая Энакина Скайуокера и бывшей королевы (ага, на планете Набу у королев президентские сроки, это нам никогда не объяснят), а теперь сенатора Падме Амидалы. Мало того, что в сценарии развитие их отношений связанно исключительно с штампами и откровенно слабыми диалогами, так ещё актеры не особо помогают. Хорошо, что хоть ближе к концу Натали Портман действительно играет обреченную влюбленность, да и в экшен-сценах радует. А вот её экранный партнер Хейден Кристенсен начинает нормально исполнять роль никогда. Порой его ещё можно терпеть или даже счесть, что он более-менее на своем месте, но в отдельных сценах игра такая дубовая, что диву даешься. Смотреть на то, как в полутьме он признается в любви, произнося просто поразительно неестественный, клишированный и попросту искусственный монолог – это чистая, концентрированная боль.
Удивительно, но продолжению удалось проиграть предшественнику по качеству компьютерной графики – в паре мест она слишком явная даже по меркам 2002 года. В то время как «Скрытая угроза», кроме всего прочего, может похвастаться видеорядом, вполне неплохо смотрящимся и сейчас. На самом деле это легко объяснить тем, что её здесь элементарно больше: количество кукольных и загримированных пришельцев неприлично снизилось. Возможно, аниматоры в то время могли даже не справляться с нагрузкой, кто знает (например, гигантские монстры на арене смотрелись отлично не смотря ни на что). Но всё не настолько плохо – скажем, интерьеры Джеонозиса, включая гигантскую арену, в действительности являются сделанными вручную миниатюрами. На самом деле в съёмках использовались все возможные техники, как это всегда на Звездных войнах и бывает.
Более полгода назад я уже пересматривал этот фильм в Full HD и в оригинале. И, чтобы освежить воспоминания для этой рецензии, я его посмотрел уже в Ready HD (грубо говоря, вдвое хуже Full HD, но на самом деле разница между ними малозаметна) и в дубляже. И знаете, какой просмотр прошел лучше? Как ни странно, но именно второй.
Видя немного менее богатую на детали картинку, мне стало легче воспринимать происходящее. При Full HD я не видел Оби-Вана Кеноби, расхаживающего в месте выращивания клонов – я видел Юэна МакГрегора в зеленых декорациях. Но при поскромневшей на пиксели изображении эффекты стали заметно проще восприниматься.
Помимо прочего у фильма прекрасный дубляж. Андрей Зайцев, дублирующий Кристенсена, каким-то чудом умудрился одним своим голосом вытянуть всю сцену первого личного диалога Энакина и Падме, которая в оригинале была откровенно провальной. Такого чуда не произошло в ранее упоминаемом монологе признания в любви, но Зайцев и там старался как мог, несмотря на невозможность задачи превратить этот лепет в что-то живое. Жаль, что дубляжом он занимается не так уж и часто.
Перевод тоже порадовал. Скажем, в начале есть сцена в ночном баре, где сидящему за стойкой Оби-Вану предлагают некие «death sticks». В ответ на что он влияет на разум продавца своими джедайскими способностями и предлагает ему переосмыслить свою жизнь. Мало того, что это сама по себе самая забавная и остроумная сцена во всей «Атаке Клонов», так авторы русского дубляжа умудрились сделать ещё лучше, переименовав «смертельные палки» в «дурь». Дурь! Это так гениально, что я готов преклоняться перед мастерами с «Невафильма».
Увы, но последние два абзаца нельзя засчитать в плюсы самой картине. Если что-то и вытягивает её, то это, что логично, экшен-сцены. Экстерьерные кадры на планете Камино, где всё время ночь, дождь и бушующий океан повсюду, сами по себе завораживают. Так ещё на этом фоне происходит далеко не самая плохая погоня между Оби-Ваном и Джанго Феттом. Тем не менее, анализируя воспоминания о фильме, никак не получается выделить какую-то по-настоящему запомнившуюся сцену действия, с чем у меня нет проблем со всеми остальными эпизодами. Погоня на летающих машинах на Коррусанте или масштабная битва в финале на Джеоносисе хороши, но особо впечатляющими их не назовешь. Некоторые хвалят драку магистра Йоды и Графа Дуку, которого с явным удовольствием в глазах играет Кристофер Ли. Но, вспоминая битву Йоды в третьем эпизоде, эта кажется более невзрачной, хоть ничего плохого о ней особо не скажешь.
«Атака Клонов» вышла скорее провальной, чем нет. В ней всё ещё хватает плюсов, присущих всем эпизодам Звездных войн. Но и минусов у неё вагон и маленькая тележка, из которых ярче всех сияет унылый сюжет с неживыми диалогами. Но прежде всего именно острая нехватка чего-то действительно запоминающегося делает фильм для меня худшим эпизодом саги.
5 из 10
P.S. В одной из книг про создание саги я узнал, почему сценарий отшлифовывал Хэйлс – ему нужен был именно что шлифовальщик, а не со-автор. Узнав о том, с какой ленью Лукас подходил к сценарию ленты, я чуть ли не в пал в ярость. Но хоть над следующим фильмом он старался больше, уже радует.

#19 – Мулан (1998)
Опубликовано 3 августа 2016 года
Несколько лет назад меня осенило, что я не видел полностью ни одного мультфильма о принцессах. Не то чтобы в этом было нечто странное и необычное, но не просто так же самая известная в мире анимационная студия столь часто давала главную роль именно им. Я решил посмотреть несколько диснеевских мультфильмов, в чье число вошли «Русалочка», «Красавица и Чудовище», «Принцесса и лягушка» и «Мулан». Последняя попала в список чисто из-за того, что её сиквел был одним из первых приобретений на DVD в моей семье. Но конкретно «Мулан 2» до сих пор не смотрел. Воспоминания же о первой части остались смутные, в общем и целом остался не очень доволен и поставил ей 6 из 10 на КиноПоиске.
Но совсем недавно я оказался на детском дне рождения, где, как обычно на таких праздниках бывает, остался в обществе детей, хоть возраст уже и позволяет сидеть вместе с взрослыми. В комнате был включен канал Disney, и когда я помог имениннице открыть её подарок – набор LEGO по «Холодному Сердцу» – в эфире внезапно объявили, что сейчас будут показывать «Мулан». Хоть тамошний телевизор не мог похвастаться отличной картинкой и я полностью отвык смотреть кино с рекламой, но всё же решил не терять шанс пересмотреть. И не пожалел.
При первом просмотре мне не очень понравилась сама Мулан (Минг-На Вен), она показалась излишне заносчивой и не очень интересной. Уж не знаю, чем я тогда думал, потому что на самом деле она –  однозначно лучший персонаж из всех главных женских героинь двумерных мультфильмов Диснея, что я видел. Мулан целеустремлена, отважна и вполне неглупа: однозначно образец для подражания. Порой она ведет себя очень неловко, но это только делает её образ более живым и понятным, вызывающим сопереживание.
Возможно, культура Китая того времени и показана тут утрированно, но свою роль она выполняет, отчего поступки главной героини не вызывают лишних вопросов. Когда она состригает волосы и отправляется в армию, решив притвориться парнем, дабы защитить больного отца от военной службы, не остается сомнений, что нельзя поступить иначе. А сопровождающая этот момент прекрасная музыка Джерри Голдсмита только усиливает момент.
При всем этом у фильма очень хорошее чувство юмора. Увы, в оригинале не смотрел, и потому не скажу, насколько хорош/плох Эдди Мёрфи в роли дракончика Мушу и все ли его каламбуры переданы как надо. Но даже сравнивая, какие были слова в текстах песен в дубляже и в оригинале при отдельном прослушивании композиций, я не нашел каких-то явных косяков. Самих песен немного, но каждая срабатывает точно в цель, а I'll Make A Man Out Of You так и вовсе идеальна.
Но всё же фильм порой слишком инфантилен. Если бы он всегда балансировал между комедийными и драматическими моментами, как в переходе между забавной песней солдат и их приходом в выжженную деревню, то цены бы ему не было. К сожалению, это относительно редкий пример, и общей ситуации никак не помогает наличие двух комедийно-разгрузочных персонажей из животного мира и сразу трёх таких же из солдат. Хотя не могу не отметить, что переодевание последних в женщин ближе к концу неплохо смотрится на контрасте с тем, через что прошла сама Мулан. Тем более, что они это делают для обмана гуннов – а те едва ли разборчивы в женщинах.
Кстати, о гуннах. Их предводитель Шань-Ю (Мигель Феррер) – чертовки крутой персонаж. Он не просто ходячая гора мышц и машина по внушению страха в врагов, но и вполне себе целеустремленный полководец, который знает, что делает. Назвать его лучшим злодеем диснеевской анимации трудно (всё-таки конкуренция приличная). Но конкретно в этой истории он срабатывает на все сто. Шань-Ю явно наслаждается процессом разорения Китая и не ищет легких путей, что делает его достойным соперником. Остальных людей его племени особо не показали, но зато легко подметить одну очень красноречивую деталь, что уже говорит многое: у них желтые, похожие на ястребиные, глаза.
Ещё из плюсов мультфильма можно выделить отдельные моменты финала. Ностальгирующий Критик однажды в одном из своих роликов задался вопросом о том, почему Мулан котируется как диснеевская принцесса. Ведь никаких связей с королевской четой у неё нет. Но потом и сам ответил – за её подвиг ей поклонился сам император (а за ним и весь народ), что в каком-то смысле делает её ещё выше всяких принцесс. Но при этом она не просто стала героиней своего народа, но и с распростертыми объятьями принимается в семью. Её отец, обнимая дочь, не обращает внимание на принесенные реликвии, доказывающие достижения. Вот это я называю грамотным распределением приоритетов.
А вот заканчивать фильм на Мушу и пляшущих духах, возможно, было не лучшей идеей. Всё-таки «Мулан» немного не об этом. Но это едва ли портит впечатление о чудесном фильме и достойном представителе «эпохи возрождения» анимации Disney.
8 из 10

#20 – Бэтмен (1989)
Опубликовано 17 августа 2016 года
Начало у «Бэтмена» Тима Бёртона слегка дезориентирующее. Действие начинается с небольшой семьи, мальчик в которой примерно того же возраста, как и Брюс Уэйн во время убийства его родителей. Они пытаются поймать такси на оживленной улице, но безуспешно. Потом идут уже менее многолюдной тропой и тут их грабят. Но ограбившие недолго радуются – за ними приходит Бэтмен, запугивает и просит рассказать о нём всем своим дружкам.
Это вступление одновременно гениально и довольно нелепо. С одной стороны мы сразу понимаем, где оказались – тёмный Готэм оказывается не самым приятным городом с кучей снующих непонятно куда людей и паром повсюду. Чего стоит один только факт, что к тому самому ребенку подкатывает проститутка! Конечно, об этом не говорится явно, но и догадаться особого труда не составит. Да и само первое появление Бэтмена обставлено довольно грамотно – это вам не Энг Ли с его Халком на 50-ой минуте, мы тут сразу понимаем, ради кого пришли.
Почему же оно ещё и нелепо? Да вы на самого Бэтмена посмотрите. Он всё время тормозит, его фигурные позы вызывают смех. А смотря на его маску, только и думаешь о том, сколько времени же у него уходит на темный грим вокруг глаз. Да и какого черта он возится с ворам-карманниками? Что, более серьезные преступники уже пойманы? И дело не в том, что он не внушает страх. Скорее такое поведение кажется устаревшим и немного неуместным по сравнению со всеми теми примерами, коими насытился жанр супергероики за последующие годы.  Но, как ни странно, с самим Брюсом Уэйном никаких проблем нет.
Помните, как в «Казино Рояль» Джеймса Бонда в исполнении Дэниэла Крейга в один момент принимают за прислугу в отеле? Это смотрелось органично, поскольку наш герой, собственно, шпион, и потому должен уметь выглядеть неприметно. Так и тут Майкл Китон оказался на удивление удачным выбором на роль ночного стража Готэма. И, что забавно, в «Бэтмене» тоже есть сцена как в ранее упомянутом шпионском кино. Показательно, что человек, не узнавший миллиардера Уэйна – фотограф Вики Вэйл (Ким Бэйсингер), с которой у него потом будет роман. И отдельно меня подкупила деталь с его висением вверх ногами – и уподобляется мышам, вдохновившим его на дизайн костюма, и при этом испытывает мощный приток крови к мозгу. А последнее весьма эффективно.
Впрочем, если что-то и вспоминается в первую очередь после просмотра, то это довольно неканоничный Джокер Джека Николсона. Они даже ему имя придумали специально ради фильма! Удивительно, но в последствии оно не стало забыто как страшный сон, а упоминалось, например, в легендарном мультсериале о Бэтмене 90-ых. Готов поспорить, что это заслуга вовсе не до бессмысленного понятной предисловии героя или весьма слабого связанного с ним сюжетного поворота в конце, а самого Николсона. Человек явно наслаждается своей ролью, и это прекрасно видно. А с таким персонажем и актером этого вполне достаточно. Всё-таки перед нами не какой-то солист 30 Seconds to Mars, а настоящий асc своего дела, да ещё с более чем подходящим лицом.
Меня трудно назвать поклонником Тима Бёртона, но я никогда не испытывал проблем с его творчеством. Он всегда мне казался хорошим, крепким режиссером, на которого можно положиться. Бёртон поставил свой фильм о Бэтмене – немного сказочный, слегка нелепый, но вполне интересный. Да ещё и с как всегда прекрасным саундтреком Дэнни Эльфмана. Пусть само кино я не назову чем-то особенным, хорошо сохранившимся или достойным пересмотра, так хоть заглавный марш фильма в душу запал. У многих и такого нет.
7 из 10

#21 – Облачно, возможны осадки в виде фрикаделек (2009)
Опубликовано 24 августа 2016 года
Фрикаделька, фрикаделька
А под ней спагетти!
Это блюдо любят кушать
Взрослые и дети!
© «Губка Боб Квадратные Штаны»
Спустя семь лет после «Школы клонов» пришло время для дебюта Фила Лорда и Криса Миллера в мире большого кино. Им стал «Облачно, возможны осадки в виде фрикаделек», третий фильм от Sony Pictures Animation. Первые два проекта студии – «Сезон охоты» и «Лови волну!» – были не так уж и плохи. Но, откровенно говоря, ничем особенным не выделялись. Графика для своего времени была на уровне конкурентов, но сюжеты можно назвать скорее лишь приемлемыми для детского кино. «Облачно…» же обещало что-то действительно новое. В конце концов, мы ещё никогда не видели картины о атакующей еде, которая при этом не была бы трэшем.
Что я особенно люблю в этом дуэте режиссеров – у них выходят как минимум достойные картины даже при том, что каждый проект до сих пор на бумаге звучал как плохая идея. Только вдумайтесь: экранизация детской книжки с картинками 1978 года о еде, падающей с неба. Нет, это не звучит как хорошая основа для компьютерной анимации 2009 года за 100 миллионов долларов. Но, взявшись за написание сценария, Фил и Крис всерьез перелопатили первоисточник, изменив в нем всё, кроме факта падающей еды. Кстати, сам факт того, что только они числятся как сценаристами, так и режиссерами – вещь довольно уникальная в мире высокобюджетной анимации.
Я уже много раз смотрел «Облачно…». В основном благодаря тому, что мне на новый год подарили DVD с ним в картонной коробке, которая за годы лежания в не лучших условиях обесцветилась и развалилась. Позже я нашел его Blu-ray в моем любимом виде изданий – в белой коробочке от Sony. Их особенность была не только в необычной раскраске и наличии сразу и 2D, и 3D версий, но и ещё в задниках для обложки, нарисованных на вложенной бумажке. В то время как герои были напечатаны на самой коробке, что создавало тем самым нечто наподобие трехмерного эффекта. Такие издания были, как правило, весьма дорогими. Но одно время они попадались в магазинах METRO и на ozon.ru по очень выгодным ценам, чем я не раз преминул воспользоваться.
Сравнивая свои нынешние ощущения с теми, что были раньше, я неоднократно ловил себя на мысли, что до этого не мог понять всей прелести фильма. Вина тут даже не в дубляже: хоть они перевели далеко не все каламбуры о еде, но в целом по памяти я не нашел особых проблем. Да и подбор голосов был неплохой – Александр Пушной в главной роли казался вполне на своем месте, а актер на роли мэра, как по мне, и вовсе перещеголял Брюса Кэмпбелла из оригинала. Тут дело именно в опыте и насмотренности, из-за которых я стал больше ценить отдельные моменты.
Первая половина картины близка чуть ли не к шедевру: темп повествования всегда идёт как надо и прекрасно балансирует комедийные элементы с драматическими. Персонажи отлично раскрываются, ведут себя естественно при общей фарсовости происходящего и их действия всегда понятны.
А вот к моменту, когда изобретенное нашим героем Флинтом Локвудом (Билл Хэйдер) устройство по превращению воды в еду начинает бушевать, то сбивается с рельсов и сам фильм. Абсолютный минимум неудачных шуток начинает пополняться заметно быстрее, а игры с пищей начинают затмевать собой главных героев. Не то чтобы фильм становится хуже – скорее он сильнее прогибается под ожидания зрителей, заданных трейлерами, и показывает больше всяких прикольных штук, чем рассказывает историю. Но чем ближе к концу, тем больше ружей Чехова выстреливает, и все возвращается на круги своя, дав нам разрешения всех сюжетных линий. Причем не только основных, связанных как с отношениями Флинта с репортершей погоды Сэм (Анна Фэрис), так и с отцом (Джеймс Каан). Ещё и арку развития чисто комедийно-разгрузочного персонажа Брэнта (Энди Сэмберг) закрыли. Сама по себе она забавна, но в рамках повествования выглядит несколько неуместно.
Тем не менее, даже при довольно специфическом рисунке отдельных персонажей вышел очень красочный и наполненный прекрасными шутками мультфильм. Многие говорят, что из-за настолько сочно нарисованной еды «Облачно…» может вызвать повышенный аппетит, но за собой я такого не заметил. Что, конечно, не идет картине в минус.
Ещё при пересмотре меня зацепила композиторская работа Марка Мазерсбау, которого потом дуэт друзей позовёт и в остальные свои фильмы. И в хорошем смысле дурацкая песенка Миранды Коусгров на титрах тоже порадовала. О, и Нил Патрик Харрис как голос, переводящий обезьянью речь в человеческую. Идеальный выбор.
8 из 10
P.S. Знаю, что у нас принято не так писать фамилию композитора, но я привык к этому варианту ещё с детства, когда услышал его на титрах одной из серий «Ох уж этих деток».

#22 – Звездные войны: Войны клонов (2008)
Опубликовано 31 августа 2016 года
Раз уж я, как полный не тру, начал с первого эпизода, то почему бы не пойти ещё дальше и не рассказывать о фильмах космической саги в соответствии с её внутренней хронологией?
Учитывая, что упоминания Войн клонов были ещё в далекой «Новой надежде» 77-ого года, то Джордж Лукас явно любит эту деталь своей вселенной. Их действие проходит с конца второго эпизода до третьего, и как раз до появления завершения трилогии приквелов, в 2003-2005 годах, выходил мультсериал «Клонические войны» от Геннди Тартаковского. По словам очевидцев, он умело соединял «Атаку клонов» и «Месть ситхов», ибо финальная серия происходила как раз перед началом последнего. Но, видимо, Лукасу этого показалось мало.
В 2008 году на нас ждали сразу два продукта под названием «Звездные войны: Войны клонов». Главным всё же стоит назвать мультсериал, относительно успешно просуществовавший 6 сезонов (позже получив ещё и 7-ой, финальный – прим. годы спустя) и оказавшийся одним из немногочисленных произведений, зачисленных в новый канон Звездных войн после приобретения франшизы Диснеем. А вот полнометражная лента, о которой тут и пойдет речь, является скорее довеском. Можно предположить, что главной причиной её появления являлась раскрутка мультсериала за рубежом. Примерно по этим же причинам создавался «Бэтмен» 1966 года, например.
Режиссером назначили Дейва Филони, который также работал и над сериалом, а среди его трудов в качестве постановщика до того времени числились лишь девять серий первого сезона «Аватара: Легенды об Аанге». Но зато каких. Ему доверили и первые два эпизода, являющиеся полноценным стартом всего сериала, и последние три, тоже являющиеся по-своему единым целым. Даже в «Гадалке», которая мне всегда казалась одним из самых слабых эпизодов, была крайне мощная концовка.
На профилях IMDb трех сценаристов фильма я не нашел ничего интересного, а увидев у одного из них в заслугах «Бионикл 2: Легенды Метру Нуи», так и вовсе опасался худшего. До этого я смотрел фильм всего раз и у меня в памяти он отложился как скучноватый, но приятный пустячок. И я совсем не ожидал, что после нового просмотра и вовсе поставлю ему оценку на балл выше, чем была раньше.
Да, это ни разу не полноценный эпизод саги. Фильм прекрасно это осознает, не стремясь им быть. Отдельно меня радует, что они отказались от начальных титров. Как бы я ни любил ЗВ в целом, но этот элемент никогда не нравился – там не говорят чего-то действительно важного, что нельзя узнать из самого фильма и их можно спокойно не читать. Нельзя назвать закадр с нарезкой всякого, чем просто швыряют в экран в надежде, что это будет сочетаться с текстом, идеальным решением. Но это однозначно лучше, чем в основных фильмах.
«Войны клонов» делают ровно то же, что и одноименный сериал – рассказывает лишь одну из многочисленных историй, что произошли за трехлетнюю галактическую войну. После коротенького введения, что у Джаббы Хатта похитили сына, и объяснения, почему такому террористу Республика хочет помочь, нас переносят на поле битвы. Там находятся те, кому хотят поручить эту миссию – Оби-Ван Кеноби и Энакин Скайуокер. Планета Кристофсис выглядит великолепно и знакомство с тем, как идет на ней война, проходит прекрасно.
За экшн-сценами следить всегда интересно. Их много и они всегда предлагают что-то новое. Одни только шагающие по склону в 90 градусов танки дорогого стоят. Сама история не то чтобы шибко любопытная, но даёт развернуться персонажам. В целом происходящее всегда вызывает интерес, пусть он зачастую поддерживается всякими милыми сердцу фаната мелочами, чем сюжетом. Так что если вы ещё не прониклись любовью к миру Звездных войн, то делать тут особо нечего. И маловероятно, что этот фильм поможет вам её обрести.
К слову о персонажах – все они тут показаны более-менее неплохо, и новички кинематографического мира Звездных Войн смотрятся вполне органично с ветеранами саги. Особенно порадовали две девушки: Асока Тано и Асажж Вентресс. Первая оказалась очень интересным дополнением к Энакину Скайуокеру, и смотреть на становления их отношений от немного враждебных до доверительных вполне любопытно. А вторая, ученица графа Дуку, удивительным образом сочетает в себе отвращение и привлекательность, мастерство и излишнюю самоуверенность. Исключительно приятно видеть, как одна из моих любимых вселенных обрастает достойными женскими персонажами.
А вот что не сильно радует – диалоги. Они нередко довольно дурацкие и дубовые, в них могут излишне повторять уже понятные вещи. А порой они и вовсе превращаются в то, что мало похоже на адекватную речь. Но для любителей детских экшн-мультсериалов это более чем привычно – они, как ни странно, нередко страдают тем же. Так что это воспринималось скорее как шероховатость, чем большой и жирный минус.
Что ещё может оттолкнуть – слегка спорный визуальный стиль мультфильма и не всегда хорошая анимация лиц. Порой кажется, что герои просто покрыты какой-то грязью и росчерками от многочисленных карандашных набросков, которые сколько ни стирай ластиком, а все равно полностью с бумаги не уйдут. Но на самом деле все это более чем субъективно. Всё равно здешняя игра компьютерных моделей всяко лучше, чем Хейден Кристенсен во втором эпизоде.
В общем и целом полнометражные «Звездные войны: Войны клонов» – приятный пустячок для фаната саги. Если вы не смотрели его, но при этом не равнодушны к вселенной, то скорее стоит когда-нибудь да наверстать.
8 из 10

#23 – Звездный путь (2009)
Опубликовано 7 сентября 2016 года
Смотря «Клинику» на MTV, мой брат загорелся желанием скачать все её серии и не зависеть от сетки телевещания. Довольно быстро он нашел сайт с множеством фильмов и сериалов, который давал ссылки на ныне закрытый файлообменник, где можно было скачивать файлы бесплатно и без каких-либо ограничений. Когда все выложенные там 7 сезонов скачались (не знаю, почему 8 и 9 не обнаружилось – может, тогда ещё перевода на них не было), я задался вопросом – а что ещё тут можно найти? Немного покопавшись в разделе «Фильмы», я и обнаружил «Звездный путь» 2009 года. На тот момент я ничего не знал о вселенной произведения.
До сих пор мне не удалось посмотреть ни оригинальный сериал, ни «Следующее поколение» – ничего, связанного с Звездным путём и вышедшего до этого фильма. Не знаю, почему так вышло, просто руки всё не доходят. Возможно, меня немного отпугивала общая молва, якобы Звездный путь – это более задротские Звездные войны. Тем не менее, конкретно это кино я люблю больше, чем какой бы то ни было эпизод Войн.
У картины чуть ли не идеальное начало – трагедия на корабле «Кельвин» одновременно и прекрасно иллюстрирует здешнее мироустройство, показывая работу команды корабля, вводит в историю злодея, как никогда прекрасно сыгранного Эриком Бана, и показывает рождение одного из двух главных героев фильма – Джеймса Тиберия Кирка. Видя то, с какой храбростью его отец принимает смерть во благо спасения сотен людей, сразу понимаешь, как нелегко будет сыну под его тенью. И, конечно, крайне приятно видеть в роли храбреца ещё не получившего роль бога-громовержца Криса Хемсворта.
На мой взгляд, самая удачная находка фильма – это последующие сцены, где попеременно рассказывается история взросления Кирка из штата Айова и Спока с планеты Вулкан. В обоих случаях нам немногочисленными эпизодами прошлого прекрасно иллюстрируют героев и мир, в котором они живут. В этих сценах (как, впрочем, и в остальном фильме) всё проработано вплоть до мелочей, и даже продакт-плейсмент от явно не желавшей тогда прекращать своё существования Nokia по-своему органично вплетается в общую картину. А уж услышать Sabotage от Beastie Boys приятно всегда и везде.
Но и последующее действо едва ли хуже. Столько прекрасных элементов, что и не знаешь, за что взяться в первую очередь. Например, актерский состав потрясающий. Крис Пайн и Закари Куинто создают крайне мощный дуэт. Отношениям их героев, меняющимся от неприязни до искренней дружбы, веришь всегда. При этом лента за свои почти два часа (не считая титров) умудряется дать каждому члену экипажа «Энтерпрайза» по запоминающемуся моменту, будь то мастерство Сулу (Джон Чо) в фехтовании или мастерская операция по телепортированию с последующим выкриком «Ё-моё» от Чехова (Антон Ельчин).
Моими же любимчиками среди этих разномастных героев я без проблем назову яро пессимистичного доктора Боунса (Карл Урбан) и гения-технаря Скотти (Саймон Пегг). Кстати, вот и ещё одна причина, почему я до сих пор не посмотрел оригинальный сериал: мне так полюбилась конкретно эта команда, что даже сложно представить, как этих героев сыграют другие люди. Я наслышан о прекрасной химии между Уильямом Шатнером и Леонардом Нимоем, но вот об остальных актерах оттуда я ничего особо не слышал. Кроме них по имени знаю только Джорджа Такея. И то мне больше известна его деятельность как активиста, нежели актера. Плюс мем «Oh My».
Раз мы заговорили про первоисточник, то тут сразу хочется упомянуть деталь, которая делает киноленту не просто ремейком, а чем-то действительно особенным. Как уже говорилось, при первом просмотре я ни черта не знал о Звездном пути. Но и тогда идея сюжета о злодее, поневоле попадающем в прошлое и несущему там месть тем, кто ещё не успел стать его врагами, показалась весьма притягательной. Когда же я узнал подоплеку, что тем самым авторы вроде как и перезапускают историю, но по сути делают прямое продолжение предыдущих фильмов, то и вовсе проникнулся к ним сильнейшим уважением.
Не могу не признать, что из-за этого в сценарии есть пара не самых продуманных ходов и довольно маловероятных совпадений. К счастью, к последним – например, что Кирк оказывается на той же планете, что и Спок из будущего (Леонард Нимой) – нетрудно найти определенные объяснения, из-за которых такое могло произойти. Ведь оба корабля, с которых эти персонажи были выкинуты, летали между одними и теми же планетами. А вот что там оказался ещё один персонаж, вместе с Кирком совершивший чудесный побег с планеты на «Энтерпрайз» – это, разумеется, судьба.
Ко всему прочему подкупает определенная ирония авторов, которые всегда умеют разрядить обстановку когда надо. Алекс Куртцман и Роберто Орси вообще в своё время были мастерами на подобные истории, даже «Трансформеров» более-менее вытянули. А уж их работу здесь так и вовсе хочется назвать лучшей во всей карьере.
Думаю, я уже достаточно пораспинался в любви к этому фильму. Если вы по какому-то дикому недоразумению всё ещё не смотрели вторую режиссерскую работу Джей Джей Абрамса «Звездный путь», то срочно исправляйтесь.
10 из 10

#24 – Комната (2004)
Опубликовано 14 сентября 2016 года
Когда я только открыл для себя такой замечательный сайт, как YouTube, то одними из первых мне попались на глаза видео переводчика под ником Зебуро. Он тогда был на пике популярности и, помимо прочего, озвучивал двух самых топовых обзорщиков всего интернета: Злого Видеоигрового Задрота и Ностальгирующего Критика. И тут вы можете спросить: но он же не переводил обзор Критика на «Комнату»! Почему ты начал текст про «Комнату» с него? Не бойтесь, сейчас всё объясню.
Дело в том, что переводы Зебуро для меня стали отправной точкой в поисках других переводов. И заслуга, что я в принципе нашел и полюбил Ностальгирующего Критика, принадлежит в первую очередь ему. Обзор на «Комнату» – один из самых смешных, и не в последнюю очередь благодаря ему интернет узнал об этом эталонном кладезе мемов. Так как в конце обзора зрителям фильм даже рекомендуют, то я всё же решил его посмотреть.
И тут мы возвращаемся к Зебуро – ведь он его и перевел! Да, качество звука так себе, всегда слышны переходы от оригинального звука к шипению от микрофона закадрового голоса плюс пара реплик пропущены, но всё же. Озвучиватель действительно старается и довольно-таки неплохо передает уникальный акцент Томми Вайсо.
Фильм вызывает конфуз с начальных титров, где изображению зачем-то нужно медленно моргать, чтоб представить имена главных актеров. А ещё нужно очень сильно постараться, чтобы по ним не заметить принадлежность этого произведения Томми Вайсо. Мало того, что в первую очередь мы видим заставку Wiseau Films и что самого Томми упоминают нелепо часто – как актера, продюсера, исполнительного продюсера, сценариста и режиссера – так ещё его можно увидеть прямо во время титров. Приглядитесь, его видно в поезде, этого огромного длинноволосого странного человека.
Знаете, я едва ли могу сказать что-то новое об этой картине. Она ужасна. Абсолютно. От начала и до конца. Но как же она прекрасна в том, насколько она ужасна. Если думаете, что вам не надо смотреть «Комнату», поскольку вы видели обзор(ы) и насмотрелись смешных картинок про него, то ошибаетесь. За весь хронометраж она всегда находит, чем удивить, и вовсе не все её моменты растащены на цитаты. Это уникальный опыт, который стоит пережить.
При первом просмотре мне показалось, что фильм немного сбавляет обороты перед кульминацией и становится просто скучным. Но пересмотр доказал, что я был неправ. В нём всегда находится нечто странное, нелепое и просто настолько плохое, что от этого невозможно не получать удовольствие. Разве что сцены секса уж слишком затянутые и при многократном появлении начинают чисто раздражать. А то, что под каждую из них суют какую-то дурацкую песню, нисколько не помогают.
Вот вам ещё одна деталь, которую мне удалось заметить только при втором просмотре: когда у героя Вайсо происходит самая нелепая вспышка ярости в истории кинематографа и он начинает всё ронять и ломать, одна из картин падает прямо на снимающую сцену камеру. Более утонченно-идиотского разрушения четвертой стены я в жизни не видел.
«Комната» – просто идеальное кино для перемывания косточек. Тут вам и актеры, которые в лучшем случае посредственны; музыка, вставленная абы как и иногда сильнейшие отблески зеленого экрана на лицах актеров так и просятся, чтоб их заметили и обсмеяли. И ведь это ещё далеко, далеко не полный список того веселья, что можно обнаружить.
Картина Томми Вайсо абсолютно полностью заслужила свою репутацию. Полная катастрофа, самый лучший среди самых худших фильмов. Я бы поставил ему оценку и выше, но всё-таки «Комната» – драма. Видно, что из этого ночного кошмара действительно пытались сделать драму, что уже скорее грустно, чем весело.
4 из 10

#25 – Межзвёздный (2014)
Опубликовано 21 сентября 2016 года
Думаю, вы тоже иногда недовольны теми названиями, что у нас фильмы получают в прокате. Так что, надеюсь, вы не против, когда я буду использовать, на свой взгляд, более корректные переводы. В конце концов, «Интерстеллар» – это просто транскрипция.
Я обожал Кристофера Нолана, считал его своим любимым режиссёром. Чего уж там, «Начало» и «Темный Рыцарь» – всё ещё два моих самых любимых фильма. Но что-то пошло не так, когда вышел «Темный Рыцарь: Возрождение легенды». При первых двух просмотрах мне фильм приглянулся. Но впоследствии оставалось дурное послевкусие, будто я сам себя ругал за то, что он мне нравился. А при третьем просмотре всё стало на свои места – это было просто посредственный произведение. Так что новую картину режиссёра приходилось ждать с опаской.
В кино я собирался идти с другом, но он в последний момент сказал, что не может присоединиться. Потому я пошел один на вечерний сеанс, заплатив больше, чем мог, если бы сходил на более ранний. О деньгах я заговорил не просто так, потому что за ту нервотрепку, что фильм мне подарил, я предпочел бы заплатить как можно меньше. И я не использую клише «хотел вернуть деньги назад», потому что в любом случае сходил бы.
Забавно, что некоторые люди ругают начало фильма, называя его слишком медленным и неинтересным, потому что как раз для меня оно было вполне нормальным. У нас есть семья фермеров, в котором юная МакКензи Фой играет так прекрасно, что на её фоне экранный отец Мэттью МакКонахи кажется слегка халтурщиком. Мы узнаем о несколько депрессивном мире будущего, где они живут, различные интересные и не очень детали, погружаемся в атмосферу. В целом фильму удается удерживать интерес, хоть и не всё происходящее понятно.
Но вот когда отец и дочь добираются до секретной базы НАСА и встречают, кхм, робота – вот тут «Межзвёздный» меня потерял. Он полетел в космос, а я весь сеанс так и был на земле. Последние несколько минут для меня и вовсе стали пыткой похлеще множества концовок «Властелина колец: Возвращение короля». О том, чем именно мне фильм не понравился, расскажу чуть позднее, а пока пробежимся по последствиям похода в кино.
В тот же вечер я, наполненный яростью, накатал что-то вроде рецензии, которую потом разместил в свой блог в Тамблре, который жив до сих пор, хоть и обновляется до нелепого редко. Позже я разместил тот же текст на КиноПоиске, где собрал чудовищно много минусов и парочку гневных комментариев. К счастью, в интернет-окружении нашлись люди, разделявшие мою точку зрения.
Но самым веселым оказалось обсуждать ленту с людьми вживую. В том числе и с тем не пришедшим другом, впоследствии поставившем фильму 10 из 10. Мало того, что они не противились моему взгляду на картину, так ещё помогали находить новые косяки вроде того, что никакого нормального объяснения трясущейся секундной стрелки на часах они найти не смогли. В то время как я об этом и не задумывался.
Второй просмотр дался гораздо, гораздо легче. Мне не хотелось кричать в экран, я не молился, что бы это мучение наконец закончилось. Значит ли это, что я стал относится к фильму лучше? Увы, нет. Понимаю, почему люди любят «Межзвёздного» – за интересный визуальный ряд, игру с научными концепциями и так далее. Но у меня это не вызывает энтузиазма. Ничто не скроет главных проблем фильма, во главе стола которых стоит то, что вся основа сюжета строится на парадоксе.
Когда я говорю, что люблю парадоксы, то всегда стараюсь придать словам ироническую окраску. Я люблю не сами парадоксы, а факт их допущения, противоречащий логике и придающий происходящему комический эффект. Но какой может быть комический эффект в «Межзвёздном» – фильме, где чувство юмора работает у роботов, но не у людей? То, из-за чего главный герой попадает в базу НАСА, не могло произойти без того, что он делает в конце. А делая в конце то, что напрямую влияет на начало, мало того, что его мотивация вызывает вопросы, так ещё он это делает, уже зная, что сделал. Это, дамы и господа, и есть парадокс в чистом виде и именно из-за него вся основа сюжета киноленты не имеет никакого смысла.
Я не переживал бы так сильно по этому поводу, если в фильме были сколь-нибудь интересные и прописанные персонажи. Но их нет. Не спорю, есть замечательные актеры, и некоторые из них в определенные моменты потрясающе играют – один плач МакКонахи дорогого стоит, а уж Джессика Честеин по максимуму отыгрывает каждую сцену. Но что эти люди говорят? В основном экспозицию и нелепость, насколько могу судить.
Идеальным в этом плане кажется монолог героини Энн Хэтэуэй о том, на какую планету стоит полететь первой, свою мотивацию по сути сводя к одному слову: любовь. Самой адекватной реакцией на подобное заявление ученого было бы выбросить её в космос как зря тратящую ресурсы.
Так же по этой сцене видно, насколько у режиссера не получилось сделать цельный фильм. Очевидно, что ему были интересны отдельные моменты, будь то показать новую, более приближенную к науке черную дыру, космические полеты, рассуждения насчет нашего вероятного будущего. При этом он хотел рассказать историю о силе любви в первую очередь на примере отношений отца и дочери, заодно поиграв с изменением разницы в возрасте. Связать все эти любопытные элементы в одну полноценную историю – задача невероятно сложная. Потому ничего удивительного, что Кристофер Нолан с ней не справился. Он словно оказался сдавлен всем этим материалом.
Я могу перечислить ещё несколько вещей, что ставят меня в тупик, будь то потерянно выглядящий Мэтт Дэймон или слишком заметное использование миниатюр. А уж о местных роботах я лучше промолчу – а то меня понесет так, что этот текст станет вдвое длинней. На самом деле здорово, что большинству картина понравилась – тут определенно много прекрасного. Но я также буду рад, если вы отнесетесь к фильму более критично и согласитесь, что для некоторых «Межзвёздный» как самодостаточное произведение хромает на все конечности.
3 из 10

#26 – Как приручить дракона (2010)
Опубликовано 5 октября 2016 года
Сейчас модно не любить 3D в кинотеатрах. И не мудрено почему. Сам я уже редко замечаю этот эффект и радуюсь каждый раз, когда мне не надо одевать на свои обычные очки ещё одни. Но противником формата назвать себя не могу. До сих пор иногда удивляюсь его силе, будь то в «Экипаже» или даже новых «Охотниках за привидениями». К тому же, есть ещё один вид трехмерных фильмов, который я просто обожаю – домашний, на 3D Blu-ray дисках.
В нём я всегда чувствую объем, а цвета изображения кажутся почти такими же насыщенными, как и без очков, чего не скажешь о кинотеатральной версии этого же эффекта. Впрочем, я не собираю все возможные фильмы именно в 3D, и даже выработал для себя правило – если уж и брать такой диск, то обязательно должна быть 2D-альтернатива. И поэтому, когда я увидел диск с «Как приручить дракона», поддерживающий оба формата, всего за каких-то 200 рублей, то не смог устоять.
Вообще «Как приручить дракона» был вторым фильмом, что я посмотрел в 3D – первым успела стать оригинальная «История игрушек». И хоть в последнем была далеко не самая плохая конвертация изображения в стерео, именно «Как приручить дракона» отпечатался в моей памяти первым полноценным опытом просмотра фильма в этом формате. Полагаю, тут главную роль сыграло то, что это уже второй фильм Dreamworks Animation, делавшийся с расчетом на эту технологию, так что люди изначально знали, как делать стереокартинку.
Когда я ходил на фильм в кино на весенних каникулах вместе с другом детства, то мне он вполне понравился. Правда, кроме захватывающих полетов на драконах я не нашел чего-то выдающегося плюс главный герой немного раздражал. И, разумеется, я абсолютно не понимал людей, считавших, что он заслуживал Оскара больше, чем «История игрушек 3».
Год назад я приобрел тот самый диск и решил пересмотреть картину. Память сыграла со мной злую шутку – она мне так часто говорила «О, помнишь, этот момент был в трейлере?» и «А этот в ТВ-ролике!», что я в итоге не смог заново оценить картину. Не помню, чтобы я ещё хоть от одного просмотра получал такие же ощущения, это был до странного уникальный опыт (Максимум похожий опыт был во время пересмотра «Университета монстров», когда я содрогался от реплик Арта, ибо уже сто раз их слышал от плюшевой игрушки – прим. годы спустя). Посмотрев в третий раз, я поразился, насколько мне он понравился. Теперь я на самом деле понимаю тех, кто считал «Как приручить дракона» достойным Оскара в том году. Не то чтобы согласен, но понимаю.
Спустя восемь лет мы наконец увидели новое творение Криса Сандерса и Дина ДеБлуа, режиссёров «Лило и Стич». Тот фильм не был лишен недостатков, но зато в нём были преинтереснейшие персонажи и нередко прекрасно прописанное взаимодействие между ними. И всё это есть и в новом творении. Много кто заметил сходство между Стичем и Беззубиком – драконом, которого главный герой Иккинг (Джей Барушель) поймал в начале. Как минимум обоих озвучивает режиссёр Сандерс.
Не то чтобы в сюжете не было к чему прикопаться. Слабые места есть, но сильные их искупают на раз-два. Будь то отношения Иккинга с отцом, вождем племени викингов Стоиком (Джеральд Батлер) или словесные перепалки с кузнецом Плевакой (Крейг Фергюсон). А уж его взаимодействие с Беззубиком – настоящий столп, на котором держится весь фильм, и однозначно его самая сильная сторона. В целом идея неверного представления викингов о драконах и исследования Иккинга их истинной сущности обставлено очень грамотно. Один только монтаж тренировок с драконами, переплетенный с приручением Беззубика, дорогого стоит.
Удивительно, что раньше я не замечал, насколько хороша тут анимация, особенно для своего времени – меховые накидки на плечах некоторых героев выглядят чуть ли не фотореалистично. В плане анимации героев никаких придирок нет, все лица двигаются как надо, а драконы кажутся даже более реальными, чем люди. Но оно не так уж странно – рептилии всегда удаются мастерам компьютерных спецэффектов лучше многих иных существ.
Радует картинка и в плане постановки. Не просто так в качестве консультанта был приглашен легендарный оператор Роджер Диккенс, его рука чувствуется. Аудиочасть тоже радует – Джон Пауэлл однозначно выдал один из лучших саундтреков в своей карьере и номинация на Оскар была более чем заслуженной. Дать Джонси номинацию за лучшую песню к фильму было бы не лишним.
Очень, очень редко я не ставлю фильм на паузу хоть раз во время просмотра, если такая возможность есть. При последнем просмотре «Как приручить дракона» у меня она была, но фильм так захватил, что в итоге я ни разу его не остановил. И это уже говорит о многом.
9 из 10

#27 – Звездные войны: Эпизод III – Месть ситхов (2005)
Опубликовано 13 октября 2016 года
В кино на «Звездные войны: Эпизод III – Месть ситхов» я не ходил. В первую очередь потому, что на момент его проката в волшебных залах моего будущего увлечения был всего два раза в жизни. А впервые на не анимационном фильме оказался лишь в 2007-ом. Тем не менее, летом 2005-ого года я гостил у родственников в Краснодаре и хорошо помню, что они собирали пробки Pepsi по акции, напрямую связанной с выходом третьего эпизода. В итоге они получили футболку с Йодой и довольно странной подписью.
Возможно, это был первый фильм в моей жизни, чья рекламная компания сколь-нибудь отпечаталась в памяти. Сейчас в ней оттуда сохранились два изображения – с Йодой и синим Штурмовиком, бегущим прямо с картинки на вас. Ещё тогда я смотрел на это и думал, как же круто они выглядят.
Так сложилось, что третий эпизод полностью смотрел чаще, чем все остальные части серии, и не просто так. Когда я говорю, что «Месть ситхов» – лучший фильм трилогии-приквелов, то это не звучит достаточно внушающе, как хотелось бы, так что сформулирую иначе. Этот фильм для меня лучшее, чем что бы то ни было в Звездных войнах за исключением оригинальной трилогии. Уже лучше?
В первую очередь он цепляет, конечно, сценами действия. Их много, они разнообразны и захватывают дух как мало где. Одна лишь вступительная часть с полетами в космосе, операцией по спасению канцлера из вражеского корабля и экстренной посадкой судна даёт такое удовольствие, что не под силу принести зрителю немалое число экшн-фильмов всем своим хронометражом.
Прекрасно подкрепляет удовольствие от визуального ряда и графика. Хоть за 11 лет технологии несколько продвинулись, но, благодаря общей композиционной целостности, на это мало обращаешь внимания. Да и разнообразием миров не обделили, что особенно хорошо видно под нарезку исполнения «приказа 66». Каждая показанная планета имеет свою индивидуальность, достигнутой благодаря толковой проработке окружения.
Любимым кадром из всего фильма я без колебаний назову крупный план лица генерала Гривуса (Мэттью Вуд) во время сражения с Оби-Ваном Кеноби. Сам герой, мягко говоря, впечатляет. А уж когда мы смотрим на его то ли маску, то ли лицо, с шероховатостями и живыми глазами, то в дрожь бросает.
И тут я перейду к откровению, которое низошло до меня лишь при последнем просмотре. Юэн МакКрегор здесь просто потрясающий. В первой, более легкой половине невозможно не обратить внимание, как же много он получает удовольствия от исполнения уже взрослого мастера-джедая Оби-Вана. То есть наиболее близкого к тому варианту, что играл Алек Гиннесс в оригинальной трилогии.
А когда наступают темные времена, он берет на себя чуть ли не всю тяжесть драмы саги. То, как он говорит до и после битвы со своим бывшим учеником за душу берёт. Я видел Юэна в немалом числе фильмов, от «На игле» до «Начинающих», и нигде он меня так не поражал как здесь. Обе его битвы показывают чуть ли не двух разных персонажей. С Гривусом он смел, проворен, уверен в своем деле и не боится какой-либо катастрофы. В финальном же поединке с Энакином Скайуокером он растерян и не знает, что делать, действуя чуть ли не на ощупь.
Его оппонент тоже пребывает в абсолютной растерянности, что делает битву только трагичней. Да и Хейден Кристенсен в этот раз не такой деревянный. Не поймите превратно, он всё ещё едва ли справляется с ролью. Но учитывая её сложность, на этот раз можно со всей уверенностью сказать, что теперь он играет не так уж плохо.
Готов поспорить, что этот эпизод Джорджу Лукасу было делать куда интереснее, чем «Атаку клонов». Сценарий всё ещё хромает в определенных местах (очевидно, что он просто не может писать романтические разговоры), но и сильные моменты в нём есть. Взять для примера хоть разговор Энакина и канцлера Палпатина (Иен МакДермит) о Дарте Плегасе Мудром – там автор саги явно знает, что делает.
Самое главное, что как режиссер Лукас выложился на все сто. Возможно, некоторые диалоговые сцены стоило бы сократить, но общее построение фильма выверено как надо. На аудиовизуальном уровне подача истории очень толковая, вплоть до того, что когда Энакину напоминают о его чудовищном свершении в предыдущем эпизоде, то мы слышим на фоне определенные звуки оттуда, словно некий аудиофлэшбек. Аудио, мать его, флэшбек!
Я понимаю, что у «Мести ситхов» есть недостатки, причем серьезные. Но, черт возьми, как же я люблю это кино. Мне ещё есть что сказать о его удачных моментах и находках. А ведь я ещё и словом не обмолвился о чудесной финальной драке Йоды или о слегка непривычной, но оттого и срабатывающей игре Сэмуэля Л. Джексона и ещё много, много о чём.
Дабы не расплываться в похвальбе, закончу на том, что здешний саундтрек Джона Уильямса мой любимый во всей саге. Он вобрал в себя темы из обеих трилогий, да и нового композитор не поленился добавить. Сильнее всего же подкупает именно подборка музыки к происходящему, она идеально встроена в ленту.
9 из 10

#28 – Пираты Карибского моря: На странных берегах (2011)
Опубликовано 19 октября 2016 года
Походы в кино у нас в школе как мероприятие для отдыха школьников, насколько могу судить, не особо популярны. По крайней мере, мой класс собирался в кино всего трижды, причем однажды нас не пустили, посчитав слишком малыми для демонстрировавшегося фильма. Последним же разом оказалась четвертый фильм франшизы «Пираты Карибского моря». Тогда я других частей не смотрел и в целом довольно слабо знал, что это вообще такое.
Картина показалась скучной. К тому же 3D было хорошим всего в одном кадре. Всё остальное время объема не было, только тёмная картинка. А так как сцены под покровом ночи тут не редкость, то вдобавок ещё и происходящее зачастую было сложно разглядеть. Не знаю, вина ли это создателей или кинотеатра.
Впоследствии я посмотрел основную трилогию, и она мне понравилась. Хоть каждый фильм в разной степени. Так что, усаживаясь за пересмотр четвертой части, я не ожидал хоть чего-то и готовился бороться со сморившей меня когда-то скукой. Но, как ни странно, делать этого почти не пришлось. Возможно, дело в том, что при первом просмотре я не проникся персонажами. Теперь же я знаю и Джека Воробья (Джонни Депп), и Барбоссу (Джеффри Раш), и Гиббса (Кевин МакНэлли). Так что их приключения были не безразличны.
Хотя начало не предвещало ничего хорошего. Вот некие испанцы выловили какого-то мужика, знающего, как добраться до источника вечной молодости. Посмотрев весь фильм, могу с уверенностью заявить, что эта сцена абсолютно лишняя и ей стоило остаться на полу монтажной. Как её вообще пустили в первую очередь, когда надо захватить зрителя, для меня загадка. Возможно, создатели надеялись, что смогут нагнать с её помощью атмосферу? В таком случае у них не получилось.
Потом идет ещё откровенный цирк, где одетый под судью пират вообще не палится и впоследствии спокойненько уходит. К счастью, после этого нас уже ждет веселье, будь то погони по городу или драки в столовой. В целом сцены действия не разочаровывают – каждая имеет свою изюминку и, так или иначе, развлекает.
А что расстраивает, так это главный злодей, Чёрная Борода (Иэн МакШейн). И дело даже не в том, что он карикатурен или плохо исполнен, а скорее в том, что он… никакой. Ты не чувствуешь угрозы и потому остается лишь недоумевать, почему его все так боятся. Тут и грозная музыка Ханса Циммера не поможет, и магический меч, управляющий суднами и веревками на них, тоже. Даже куклы Вуду не помогают. Настолько всё грустно.
Отчасти это объясняется его то ли дочью, то ли нет Анджеликой (Пенелопа Крус), из-за которой он то ли смягчается, то ли нет. Причем совершаемые им поступки в теории могли бы быть красноречивыми и дополнить интересный образ, но проблема как раз в том, что нет никакого интересного образа. Причем всё могло быть хорошо: в сюжете хватает интересных моментов и диалоги не так уж и плохи. А если ещё умерить кривляния Джонни Деппа и заставить МакШейна быть поугрожающе – была бы почти полностью толковая развлекательная лента. Почти.
Мало того, что испанцы в конце смогли с крайним пафосом и здоровенными знаменами пробраться через мудреный телепорт, из-за специфики работы которого крайне трудно представить, как они могли бы провернуть подобную показуху, так ещё они впоследствии сморозили столь мощную фигню, что в итоге от мотивации героев остается только недоумевать. Их действия словно служат лишь предлогом для того, что нужно только авторам и чтобы в итоге мы получили раздражающую своей очевидностью развязку.
Я не понял, почему у картины подзаголовок «На странных берегах». А вот насладится её отдельными элементами вполне смог. Корабли и локации с декорациями красивы, действие как минимум интересно. Да, есть свои проблемы, но вполне можно и посмотреть. Или даже пересмотреть, если хочется.
6 из 10

#29 – Джамп стрит, 21 (2012)
Опубликовано 26 октября 2016 года
Я понимаю, почему русские прокатчики в очередной раз скреативили и дали фильму название «Мачо и Ботан». Но это же не значит, что и я его так должен называть?
Не совсем понимаю, почему в первый раз посмотрел «Джамп стрит, 21». Я тогда не считал Джона Хилла хорошим комиком, а о Ченнинге Тэйтуме вообще почти ничего не знал – следовательно, не из-за главных актеров. Знал только, что это дебют режиссёров «Облачно, возможны осадки в виде фрикаделек» на неанимационном поприще. И до кучи всего сама картина – ещё одна киноинкарнация какого-то там сериала. Причем если сам первоисточник кто и помнит, то в основном лишь потому, что там играл ещё не такой уж известный Джонни Депп.
Когда у меня появилась возможность посмотреть фильм, прошло не так уж много времени после его выхода в кинотеатрах. Это, вкупе с тем, что я что-то где-то о нём хорошее слышал, и стало причиной просмотра. И, как только фильм закончился, я понял, что весь скепсис был бессмыслен.
Главный плюс картины как раз в том, что она прекрасно осознает, чем является. В одной лишь сцене с полицейским офицером в исполнении Ника Оффермана авторы через его слова сразу выдают нам свои карты. Да, они делают что-то связанное с тем сериалом – не зря же у них названия одинаковые – но это неважно. Они прежде всего рассказывают историю, хоть и с общими элементами, но с другими персонажами. При этом мысль подана достаточно деликатно, чтобы зрители поняли, что с ними общаются на равных, а не считают за дураков.
Использовать слово «деликатный» к этому кино можно лишь характеризуя подачу материала, но не само содержание. Прежде всего это довольно грубая и отвязная комедия с шутками про члены и многократным использованием слова «motherfucker». При том и не скажешь, что у создателей, будь то сценаристы Майкл Бэккол («Скотт Пилигрим против всех») и Джона Хилл или же режиссёры Крис Миллер и Фил Лорд, нет чувства меры.
Каждая грубость здесь смешна и потому не режет глаз. В аудиокомментариях к фильму Фил и Крис признавались, что в одной из сцен продюсер Нил Х. Мориц («Форсаж») хотел, чтоб Дженко (Тэйтум), дурачась и мешая Шмидту (Хилл) звонить Молли (всегда прекрасная Бри Ларсон), пернул ему в лицо. Но дуэт настоял, что это не лучшая идея. Вот только по одному такому факту я уже пропитался к ним сильным уважением.
Однако «Джамп стрит, 21» – ещё только ступень наверх, но не пик способностей Фила и Криса. Замечательно, что они на самом деле смогли взять идею, которая в руках иного постановщика легко бы стала полным провалом, и сделали из неё стоящее зрелище. Причем особо радует, что немалый акцент в картине сделан не на разговорном юморе, но и на его аудиовизуальной части, будь то в хорошем смысле обманывающая звукорежиссура или крайне умелое использование спецэффектов.
Как по мне, такая ставка должна быть во всех кинокомедиях. Но почему-то из нынешних творцов, которые действительно уделяют должное внимание таким аспектам, вспоминается только Эдгар Райт да Фил с Крисом. Немного грустно, но в любом случае лучше, чем ничего.
Так вот, фильм, несмотря на всё это, ближе к крепкому «хорошо»: его сложно назвать выдающимся. Странная претензия для пошлой комедии? Возможно, но я её сформировал именно потому, что в ней на удивление много замечательных элементов для «средне-хорошего» фильма. Взять хотя бы по-настоящему великолепный актерский состав. Из ещё не упомянутых особо порадовали брат Джеймса и тот парень из девятого сезона «Клиники» Дейв Франко (да, мне нравится девятый сезон «Клиники» – никто не идеален) и Роб Риггл. А лучшим персонажем второго плана однозначно можно назвать учительницу химии в исполнении Элли Кемпер, которая также прекрасна в американском «Офисе».
И для справки: Ченниг Тэйтум – король. Настоящее открытие, он играет с таким задором и мастерством, которого никак не ожидаешь. Однозначно одна из лучших его ролей, а уж на момент выхода фильма наверняка самая лучшая. Хотя бы чисто ради него уже стоит посмотреть.
По итогу «Джамп стрит, 21» – мастерски сделанная комедия с прекрасными исполнителями. Она для Криса Миллера и Фила Лорда стала этаким последним экзаменом в мире кинематографа, ибо дальше – лучше.
8 из 10

#30 – Хижина в лесу (2011)
Опубликовано 2 ноября 2016 года
Я не люблю ужастики. Не поймите превратно, нет ничего плохого в том, чтобы бояться. Бояться в смысле переживать за героев. Это прекрасно. Но с такой задачей справляются и другие жанры. А тут, насколько я понимаю, люди смотрят фильмы скорее ради испытания страха как такового – они хотят, чтобы их напугали. А я не хочу. Чувство страха мне не приносит никакого удовольствия. Но это вовсе не значит, что среди фильмов, которые мне нравятся, нет представителей этого жанра.
В первый раз я посмотрел «Хижину в лесу» не потому, что это был фильм ужасов. Я просто слышал о нём много хорошего, да и к тому же продюсером и сценаристом там выступает Джосс Уидон, которого я тогда знал и любил только по «Мстителям». Присутствие в фильме одного из Мстителей – Криса Хемсворта – тоже подогревало интерес.
Что меня сразу подкупило – лента начинается не с группы студентов, отправляющихся на отдых в хижину из названия, а с двух мужиков в каком-то бункере, обсуждающих повседневные для них вещи. Потом мы узнаем, что они что-то вроде контролеров, следящих, дабы клише фильмов ужасов соблюдались в путешествии главных героев.
Сама по себе мне эта идея мне жутко понравилась, да и исполнена она вполне неплохо. Тут и грамотная дозировка экспозиции, и прекрасное взаимодействие персонажей. Не в последнюю очередь помогает всё правильно воспринять взятый на роль одного из двух главных контроллеров маститый Ричард Дженкинс.
Можно заметить, что на 21-ой минуте фильма этим контроллерам дают понять, что всё не закончится как обычно, но они по своей самонадеянности не обратили на это внимания. Пересматривать «Хижину в лесу» очень приятно – сразу замечаешь кучу мелочей, отсылающих к последующим событиям.
Радуют и сами студенты. Главная героиня тут симпатичная и рыжая – этого достаточно, чтобы я уже какое-то время был весь в внимании. Слава богу, не пришлось обходиться только этим – как и Кристен Коннолли неплохо играет, так и персонаж у неё любопытный. С первых кадров нам намекают на её роль, как и на то, что поход главных героев не будет банальным. Лично мне сильно запомнился момент, когда герой Хемсворта рассуждает о том, какую книгу по курсу ей стоит прочесть, дабы впечатлить преподавателя. И, на секундочку, его герой по идее должен быть тупым качком.
Главным катализатором примечательных событий оказывается местный Шэгги из «Скуби-Ду», исполненный Фрэном Канцом. Своим прокуренным голосом он будто дразнит: вроде бы и стереотипный герой, но что-то в нём есть. И в итоге оказывается отражением моей главной из немногочисленных претензий к «Хижине…». Кино вроде как и всячески иронизирует над представителями своего жанра, но при этом очень хочет быть одним из них. Такая погоня за двумя зайцами – не лучшая идея.
Одна из вещей, которая меня напрягает в ужастиках больше всего – это использование композиций для получения момента «внезапности». Причём, как правило, музыку улавливаешь чуть раньше, чем пугающая вещь появляется. И я должен быть напуган внезапным моментом, когда меня о нём уже успели предупредить? Мне нравится, какую работу здесь проделал Дэвид Джулиан, композитор первых фильмов Кристофера Нолана. Но в пугающих моментах музыка абсолютно верна жанру, никакой иронии или игры со зрителем. Подобная упущенная возможность особенно удручает.
Но при этом у «Хижины в лесу» такая любопытная задумка и реализована она так остроумно, что я готов ему многое простить, в том числе хромающую компьютерную графику ближе к концу. Тут легко скатится в жуткие спойлеры, и я честно пытался до сих пор по минимуму раскрывать карты, так что на этом и остановимся. Кино достойное, в нем отличная концепция и интересные персонажи, благодаря чему за происходящим интересно следить даже такому не любителю жанра, как мне.
А ещё тут на финальных титрах играет Last от Nine Inch Nails. Если в вашем фильме играет Nine Inch Nails, то вы меня попросту подкупили.
8 из 10

#31 – Чёрная Молния (2009)
Опубликовано 16 ноября 2016 года
Едва прошла пара месяцев, как после «Книги мастеров» я с родителями пошёл в кинотеатр на ещё одно отечественное кинотворение, сделанное под крылом западной студии – «Чёрную Молнию». В этот раз, слава богу, я не пропитался к фильму симпатией. Но и плохим бы его не назвал. Да, моментами чуть ли не ксерокопия «Человека-паука» Сэма Рейми, но ничего, смотреть можно. Пересмотрев же… Ох, это было нелегко.
Я люблю супергероику. Причем комиксов, по причине их слабой доступности ещё пару лет назад, особо много не читал, довольствуясь в основном экранизациями. Не то чтобы видел их все. Но достаточно, дабы сказать, будто на них собаку съел. Став более опытными зрителем, я не мог не поразится тому безразличию, что проявляет «Чёрная молния» к собственному жанру.
На паре моментов в середине я ставил фильм на паузу, просто чтобы орнуть. Орнуть из-за происходящего на экране. Проблема даже не в монстроузорном количестве клише, которыми можно бассейн заполнить. А в том, что кино надо по сценарию писать, а не по его черновикам. А порой всё настолько плохо, что тут даже не по черновику, а по вырванным самим сценаристом листкам снимали. Здесь так много удобных совпадений и идиотских сюжетных линий, склеенных жвачкой, которую кто-то выскоблил из-под низа пары нерадивого школьника, что диву даешься.
Сейчас людям надоели истории о становлении супергероев, оно и понятно. Но как вам такое: в «Чёрной Молнии» есть всё, что необходимо для истории о становлении героя и при этом в нём – сюрприз, сюрприз – нет самого становления героя! Вот центральный персонаж, у него появляется машина, потом умирает условный дядя Бен – и герой готов. Никаких размышлений, рефлексии и принятия важных истин. Надо лететь в здание спасти ребенка из пожара. А уж после этого можно пафосно постоять на крыше, смотря куда-то вдаль. И всё.
Всё, вот он, ваш первый отечественный киносупергерой. Смиритесь с этим. А если вы по известным одному Юпитеру причине не поверили в его добродетель, то вот вам ещё нагло украденный монтаж подвигов вперемешку с газетными вырезками из ранее упомянутого «Человека-паука».
А ведь в техническом плане всё не так уж плохо. Да, спецэффекты дешевые. Но это ожидаемо, учитывая покровительство от студии Focus Feature, специализирующуюся на низкобюджетных разработках Universal. Снято всё удовлетворительно, актеры далеко не самые плохие.
Только беда в том, что им играть нечего. Если появляющемуся эпизодически Михаилу Ефремову достаточно сыграть стереотипного алкоголика, а Сергею Гармашу надо быть… Сергеем Гармашем, то с главными ролями всё гораздо грустнее. Увидите центральную романтическую пару и скажете – бездарности. Но взгляните в глаза Екатерины Вилковой, когда она смотрит на того, кого приняла за водителя Чёрной Молнии. Вот он, талант. Увы, её героиня не просто картон, а обрезанная чем только можно и трижды перемятая бумажка. Оттого остается лишь верить в её лучшие способности.
Главный герой в исполнении Григория Добрыгина тоже не особо радует. Обычно его исполнение на уровне Хэйдена Кристенсена из второго эпизода Звездных войн, в лучшем случае – из начала третьего. Но, опять же, персонаж так лениво и бездушно прописан, его слова и действия настолько не подчиняются любой возможной логике кроме «ну, нам так было проще писать», что я охотно верю в его талант. О котором, кстати, слышал от посмотревших «Как я провёл этим летом» с ним в одной из двух главных ролей.
А ещё тут есть «скрытая» реклама. Я не смотрел ни «Ночной дозор», ни другие творения от Тимура Бекмакбетова, где она активно распространена, так что сужу только по этому фильму. И она здесь отвратительна. За Первым каналом идет сразу Рен-ТВ, а других и вовсе нет. Всех можно найти на Мой мир@mail.ru, в то время как Вконтакте уже три года существует и даже я там в то время был зарегистрирован. Самыми крутыми и распространенными машинами в Москве внезапно оказываются Мерседесы (причем их обожает и злодей, что немного ставит в тупик). Даже если герои заваривают лапшу, то нельзя не увидеть, что эта «Макфа».
Сам не ожидал, что отнесусь к фильму так плохо. Отчасти мое суждение даже мне самому кажется несправедливым. Но вот в чём дело – «Чёрная Молния» оскорбительна. Она оскорбляет всё, что я люблю в таких лентах, она оскорбляет моё чувство вкуса.
Нельзя не признать, что предыдущее суждение исключительно субъективно. А что фильм оскорбляет объективно, так это вашу память. Здесь так много флэшбеков (причем пара из них показывают события, произошедшие пять минут назад), что начинаешь догадываться, кто настоящая аудитория фильма. Золотые рыбки, у них память – три секунды, им такое нормально смотреть.
А вы же не золотые рыбки?
2 из 10
P.S. Я слышал, что эта тема с золотыми рыбками на самом деле неверна. Но уж слишком хороша аналогия.

#32 – Звездные войны: Эпизод IV – Новая надежда (1977)
Опубликовано 23 ноября 2016 года
Однажды, в одни из тех летних каникул, что приходилось проводить на даче, я решил познакомить друга детства со Звездными войнами. Начали мы с трилогии-приквелов. Мне тогда казалось логичным начать смотреть фильмы по внутренней хронологии. К тому же сам тогда не видел оригинальную трилогию – как-то получилось, что первое время по телевидению лицезреть их не удалось. Мы посмотрели шикарную «Месть ситхов» и наконец-то пришло время классики. Я не знал, чего ожидать, и потому тем же днем перед сном включил диск да посмотрел «Звездные войны: Эпизод IV – Новая надежда». И меня просто унесло.
Соприкосновение с картиной было подобно откровению. Что это? Обилие практических спецэффектов? Дышащая всеми фибрами души вселенная, в которой, несмотря на тиранию империи, всё ещё жива надежда? Приключения в чистом виде? Да, да и да. После просмотра я засыпал с каким-то особенным чувством, которое не так уж часто испытывал. Чувством открытия чего-то нового для себя. Великого, грандиозного, что однозначно повлияет на мою дальнейшую жизнь.
На следующий же день я посмотрел «Новую надежду» ещё раз, теперь уже с другом. И это всё ещё был прекрасный, пробирающий до мурашек опыт. Надо ли говорить, что теперь я стал фанатом не просто красивой и помпезной космической саги, как думал раньше, а одного из ярчайших феноменов современной поп-культуры. На данный момент я не читал ни одной книги по Звездным войнам, не играл в Knights of the Old Republic и так далее, меня сложно назвать хардкорным фанатом. Тем не менее, я хотя бы знаю об этих вещах, и моё знакомство с миром далёкой-далёкой галактики не ограничивается чисто кино. Так что как минимум просто фанатом стал. И в первую очередь это заслуга именно что первых двух просмотров четвёртого эпизода.
Было не так уж просто уговорить родителей посмотреть «Новую надежду». Я говорил о её культурной значимости (они сами подтвердили, что отсылок к ней и её сиквелам в их любимых «Друзьях» было предостаточно), что это просто замечательный фильм и вовсе не научная фантастика, как они думали. По итогу просмотра мама сказала, что тут больше плюсов, чем минусов, а папа признался, что «смотреть можно». Такие отзывы трудно назвать восторженными, но я всё равно рад, что показал. Не представляю, как можно сколь-нибудь взаимодействовать с современной культурой и при этом считать нормальным не посмотреть фильм, породивший серьезную его часть.
Что до меня, то последний пересмотр с родителями всё же слегка изменил восприятие. Где-то с половину ленты я ощущал себя не сколько даже зрителем, сколько искусствоведом, оценивающим исторически важное произведение. Эта сцена имеет культурную ценность, и к вот этой часто отсылаются в других произведениях. И да, Хан Соло (Харрисон Форд) стрелял первым, но в новой отреставрированной версии фильма бластеру его собеседника подрисовали выстрел куда-то вообще в молоко. Так что технически теперь он сделал первый выстрел. Но это так бессмысленно, что и не стоит обсуждения.
А вот эта сцена, где наш главный герой Люк Скайуокер (Марк Хэмилл) смотрит на закат двух солнц – вообще классика в чистом виде. Плюс музыка Джона Уильямса уххх, завораживает. Как бы ценны ни были кадры, я, разумеется, не переставал наслаждаться происходящим, и внутренний ценитель уже к середине картины успокоился и не беспокоил по мелочам, давая влиться в происходящее.
Должен признаться, что одна вещь меня покоробила. Вся та часть с дроидами, путешествующими по песчаной планете Татуин, уж слишком затянута. Когда ты показываешь понравившийся тебе фильм кому-то ещё, порой бывает, что ты словно покрываешься холодным потом при выявлении недостатка или того, что твой зритель может счесть таковым. Однако мама потом сказала, что фильм идет без промедлений. Получается, это уже чисто моя претензия.
Когда дошло дело до сегмента с Звездой смерти, где Люк и Хан вызволяют принцессу Лею (Кэрри Фишер), я внезапно осознал, что у фильма очень хорошее чувство юмора. Нет, шутки в саге были и раньше, но теперь их стало на удивление много. Возможно, ни в одном сегменте других фильмов их не было столько, сколько здесь. Работают они исключительно на ура. Когда ситуация очень напряженная, получающаяся с их помощью разрядка оказывается как нельзя кстати. Как-то и не верится, что среди сценаристов фильма значится только Джордж Лукас. Уж больно непривычно после трилогии-приквелов слышать подобное остроумие.
Конечно, это фильм 77-ого года за одиннадцать миллионов долларов, и на нем это не могло не сказаться. Стоит помнить, что до этого космическими сагами на больших экранах занимался аж никто (Звездный путь всё-таки больше чистая научная фантастика, поэтому эту серию фильмов трудно причислить к тому же виду, что и ЗВ). По признанию самих авторов, им сильно не хватало костюмов для наполнения пришельцами бара на Татуине, и потому там есть парень в костюме дьявола. Ага, не удивительного пришельца, а тупо дьявола. Но при этом его показывают достаточно мало, чтоб он казался органично вплетенным в кучку фриков.
Так что когда ещё не показавший своего истинного злодейского лица (метафорически, под конец он и вовсе чуть ли не лохом оказывается) Дарт Вейдер (поразительный голос Джеймса Эрл Джонсона) бьется с Оби-Ваном Кеноби (Алек Гиннесс) на световых мечах, я не думаю: «какая лажовая драка». Скорее мои мысли больше похожи на: «ух ты, первая в истории кино сражение на световых мечах». К тому же она и не должна быть поражающей воображение, если учесть все те причины, по которым Оби-Ван вообще ввязался в битву.
Это продукт своего времени, но тем он и прекрасен. Четвёртый эпизод наивен, но в том числе благодаря этому он стал тем незабываемым приключением, что засело в голову миллионам людей по всему свету. Мало того, что «Новая надежда» прекрасна сама по себе, так ещё и подняла невероятную волну, которая сейчас нас захлестывает особенного сильно.
Настолько сильно, что совсем скоро в кинотеатрах выходит «Изгой-один: Звёздные войны. Истории», чье действие происходит незадолго до начала оригинальной трилогии и сильно с ним связано. Это ли не признание мира в том, насколько мы любим «Звездные войны: Эпизод IV – Новую надежду»?
10 из 10

#33 – Би Муви: Медовый заговор (2007)
Опубликовано 1 декабря 2016 года
Я обожаю интернет. Сидишь себе такой на YouTube и внезапно натыкаешься на кучу появившихся из непонятно откуда и почему видео, связанных с кинокартиной «Би Муви: Медовый заговор». К примеру, вы можете найти ролик, в котором фильм идет на такой перемотке, что 90 минут умещаются в 3. И ещё не забывайте о функции ускорения и замедления видео на самом видеохостинге, благодаря которой можно получить ещё более интересный результат.
Не впечатляет? Понимаю. А как вам такое: фильм ускоряется в два раза каждый раз, когда в нем звучит слово «пчела»? Или если убрать из него вообще всех пчёл? Таких видео туча, издевательств над картиной и её трейлером в частности стало неприлично много. Причем, произошли они спустя 9 лет после оригинального релиза. «Би Муви» стал таким популярным в зарубежном интернете, что совсем недавно появилось видео, в котором объясняется происхождение этого мема. Согласно ролику, лента как мем переживает что-то вроде ренессанса. То есть над ним жители интернета издевались ещё раньше и даже успели о нём забыть. Что примечательно, раньше основным объектом шуток был не видеоряд, а сценарий.
Но прежде чем мы обсудим, почему же так, я, как обычно, расскажу о том, как сам познакомился с лентой впервые. «Медовый заговор» был девятым фильмом, который я посмотрел в кинотеатре и первым, решение пойти на который принял я сам. Впрочем, такой чести он удостоился совершенно случайно – у меня были деньги на билет и друг, с которым можно было сходить. «Би Муви» просто прокатывался в то время и попался под руку. Своих впечатлений почти и не помню. Вроде понравилось, но это было слишком давно. Ещё до того, как я осознал свою любовь к кинематографу.
Чтобы почувствовать всю эпичность этого добра, стоит обмолвиться и о том, какие люди стоят за ним. Автором идеи и одним из сценаристов стал американский комик Джерри Сайнфилд, создатель легендарного ситкома «Сайнфилд», в 1998 году объявивший об окончании своей карьеры как комика. Тем не менее, он смягчился после совещания с двумя из трех создателей студии DreamWorks, Джеффри Катценбергом и Стивеном Спилбергом. Где-то летом 2002 года он вновь встретился со Спилбергом, и они вместе обсудили идею создания анимационного фильма. Плодом такого обсуждения и стал «Би Муви».
Только вдумайтесь: Стивен Спилберг одобрил идею фильма о пчелах, подающих в суд на людей. Он также указан в титрах в графе благодарностей вместе с «здравым смыслом» и deus ex machinа, а в качестве «консультантов по детскому юмору» там указаны трое детей Сайнфилда. И после такого говорят, что в титрах нет ничего интересного.
На самом деле, конечно, со здравым смыслом тут не очень хорошо. Если давать краткое описание каждому основному сюжетному повороту фильма, то в голову приходит в основном слово «тупой». Тут есть элементы, свойственные фарсовой комедии, но при этом картина ещё и на какой-никакой реализм претендует, и это как раз главная проблема. У неё нет какого-то стержня в повествовании, благодаря которому можно было органично воспринимать происходящее. То мы исключительно фарсом занимаемся, то вроде как максимально приближены к реальности, насколько это вообще возможно в фильме, где пчёлы просто умеют говорить и не волнует. Не дело.
Тем не менее, если поначалу ты просто поражаешься глупости завязки и сюжетных элементов, то потом всё становится проще. В том числе благодаря нескольким очень смешным шуткам. Парочка из них, кстати, по-хорошему рискованные – и про расизм, и про инцест, и про национальности найдется. Хотя всё же их не так много и не столько благодаря им фильм смотрится быстро и не затянуто, сколько  из-за элементарной самоиронии. Да, фильм знает, что он туповат. И не воспринимает себя особо серьезно.
Настраивает на положительный лад ещё музыка за авторством Руперта Грегсона-Уильямса, младшего брата Гарри. Они оба – одни из множества учеников Ханса Циммера (он тоже упомянут в титрах, хоть и в качестве «исполнительного музыкального продюсера», чтобы это ни значило). Местами мелодии звучат заштампованно, но есть и действительно удачные моменты. Отрадно, что сейчас в будущих проектах Руперта числится «Чудо-женщина», а не ещё одна лента продюсерской студии Адама Сэндлера, с которой он и так неприлично часто сотрудничал.
Немного расстраивает главная женская героиня-человек Ванесса. Половину её реплик Рене Зеллвегер записывала, словно только и думая: «Господи, что за тупость я несу», что не особо помогает эту самую тупость воспринимать. Взять хотя бы то, что у неё есть знакомый Кен: кем он ей приходится, остается только гадать. Просто какой-то неадекват, с которым она играет в теннис и ест йогурты. Во второй половине ленты он пропадает в никуда непонятно почему, будто фильм и Ванесса вместе с ним забывает о его существовании.
Наш главный герой, пчела Барри Би Нельсон (озвученный Джерри Сайнфилдом, потому что иначе никак) в неё влюбляется. Если отбросить саму дикость такой идеи, останется только то, что она спасла ему жизнь и является флористом. На этом всё, в ней ничего нет.
Люди в этом фильме вообще страдают: нарисованы они не очень хорошо даже по меркам DreamWorks Animation, а на говорящих пчел реагируют скорее как индийские коровы. Ну да, насекомые оказались разумными существами с интеллектом, схожим с человеческим, ничего необычного. Сцены суда, разумеется, связанны с реальным судопроизводством вообще никак. Хотя более приближенное к реалиям действо скорее наоборот, добавило бы больше тем для шуток и сделало сюжет интереснее. А так эти сцены спасает только потрясающий Джон Гудмен как голос адвоката со стороны продающих мёд компаний.
В общем и целом «Би Муви: Медовый заговор» – быстро пролетающий пустячок со своими проблемами, но зато с несколькими действительно удачными шутками. Если он идет по телевизору, и ничего интересней на других каналах не показывают, то можно и глянуть.
6 из 10

#34 – Аватар: Легенда об Аанге (Книга первая: Вода, 2005)
Опубликовано 7 декабря 2016 года
О том, как я познакомился с сериалом «Аватар: Легенда об Аанге», написал в «Пересмотре!» на «Повелителя стихий». Важной частью того текста было то, что как экранизация первого сезона «Аанга» «Повелитель» была провалом по всем фронтам. Но дабы не показаться голословным обожателем, всё же упомянул, что и первоисточник идеалом не был. А каким он был?
Серии первого сезона, в начальных титрах каждой из которых пишут «Книга первая: Вода», я смотрел немыслимое количество раз – гораздо больше, чем второго и третьего. Почти все эпизоды (кроме второго, по телевидению мне его удалось посмотреть всего однажды) уже въелись в подкорку, я наизусть помню большинство сцен. Разумеется, в дубляже, благо там был шикарный Пётр Иващенко (также известный под фамилией Гланц), давший голос как минимум четырем героям Народа Огня, включая главного злодея сезона Адмирала Джао.
И тут кто-нибудь, даже из числа не смотревших, может спросить – но разве главный злодей не Принц Огня Зуко? Знаете, тот парень с ожогом на лице, выглядит довольно зловеще. Да и на всех постерах и прочем он находится там, где всегда находятся плохиши в подобных рекламных материалах.  Если посмотреть первые две серии, то каких-либо сомнений в том, что он будет главным злодеем всего сериала, не появляются. Но чем дальше, тем сильнее чуешь подвох в столь простом положении вещей, свойственного абсолютному большинству экшн-мультсериалов.
В первую очередь именно благодаря 16-летнему наследнику трона Зуко зритель узнает, что пробудившийся из айсберга 12-летний маг воздуха Аанг и есть пропавший сто лет назад Аватар, хранитель мира и повелитель всех четырёх стихий. Но Зуко скорее антигерой, нежели чистый плохиш. Сам сериал регулярно подчеркивает, что его судьба во многом схожа со судьбой главного героя. Они оба в первую очередь жертвы крайне жестоких обстоятельств. Один случайно оказался заморожен и благодаря этому Народ Огня стал ведущей военной державой мира – так что, мягко говоря, равновесие между четырьмя нациями мира был нарушено. А другой из-за необдуманно оброненной фразы оказался в изгнании и может вернуться домой, лишь схватив Аватара.
Такая интерпретация не нова, но с каждым новым просмотром только сильнее в ней убеждаюсь. Квинтэссенцией идеи стал 12-ый эпизод «Буря», в котором параллельно рассказывается предыстория обоих персонажей. Причем оба повествования были спровоцированы именно что жуткой бурей, удостоившейся упоминания в названии. Проработка деталей и причинно-следственной связи этого эпизода поражает. Потому я не могу не поклониться перед мастерством сценариста Аарона Эхаза и режиссуры Лорен МакМаллен, до этого также работавшей над несколькими эпизодами «Симпсонов», включая парочку из моих любимых.
Впрочем, далеко не все серии столь хороши. Самая большая разница между первым и последующими сезонами «Аватара» как раз в том, что здесь качество эпизодов может довольно сильно скакать от серии к серии. Идеальной иллюстрацией этого служит факт, что прямо перед «Бурей», которую я не побоюсь назвать своим любимым эпизодом во всём сериале, по порядку идёт «Большой водораздел». Среди фанатов популярно мнение, что это худшая серия «Легенды об Аанге» – второстепенные персонажи страдают от одномерности конфликта, а его разрешение нашим главным героем кажется по меньшей мере маразматичным.
Хотя даже в ней хороших вещей хватает. При спущенном в унитаз потенциале сама сюжетная основа эпизода любопытна. Дизайн новых персонажей, даже при схематичности большинства из них, вовсе не скуден на детали. Экшн-элементы, всегда прекрасно удающиеся режиссёру Джанкарло Волпу («Звездные войны: Войны клонов», «Стар против сил зла»), не разочаровывают. Ради справедливости стоит отметить, что сколь-нибудь неудачных эпизодов наберется максимум три за сезон. И то в каждом есть что-то цепляющее, из-за чего в общем и целом не жалеешь о просмотре.
Сейчас мы прошлись только по частным случаям. А чем «Аватар: Легенда об Аанге» подкупает в целом? Создатели сериала, дуэт преимущественно художника и писателя Брайан Кониецко и Майкла Данте ДиМартино соответственно, сделали для нас целый новый мир. Благодаря упору на культуру стран Азии он воспринимается гораздо свежее и интересней, чем какая-нибудь очередная претензия на Средиземье.
Впрочем, это ничего бы не стоило, если не люди, мир населяющие. Чтобы не усложнять зрителям жизнь, все герои принадлежат одной из трех наций. Каждая названа в честь того элемента стихии, часть жителей которой могут покорять – Племя Воды, Царство Земли и Народ Огня. Ещё раньше в этом мире были Воздушные Кочевники, но на момент действия сериала в живых остался только Аанг. Именно поэтому американский подзаголовок сериала можно перевести как «Последний маг воздуха». Но «Легендой об Аанге» он стал не только в России, но и на других территориях. Например, в Великобритании.
Благодаря некоторой простоте инфраструктуры мира им гораздо проще проникнутся. И даже при местной прекрасной проработанности нюансов вовсе не нужно помнить кучу информации о том, кто на кого зол и почему. Большинство даже эпизодических персонажей, если их удостоили хоть одной репликой, уже воспринимаются как живые, а не часть серой массы для заднего фона.
К вопросу о том, насколько что-либо может испортить дубляж. Раньше я немного хуже относился к персонажу Катары – магу воды, благодаря которой Аанг пробудился от столь долгого сна. При том она не то чтобы сверхздорово прописана, но всё равно как минимум достойна интереса. Как выяснилось, часть моего негатива к ней шла из-за русской озвучки. Её голос в русской версии был уж слишком приторно-плаксивым и недостаточно эмоциональным. В оригинале же её озвучивает прекрасная Мэй Уитман («Скотт Пилигрим против всех», «Задержка в развитии»). Она справляется с ролью куда лучше, добавляя, простите, «крутизны». Которая ей скорее нужна, чем нет.
Дубляж съедает своим переводом несколько шуток и смыслов, хотя критично плохим его не назовёшь. Как бы мне не нравился русский голос Принца Зуко, но не могу не отметить, что его изначальный вариант в исполнении Данте Баско («Капитан Крюк») прекрасно уловил суть героя. Он одновременно и взрослый, и подросток – и суровый, и наивный.
Я не буду кричать, что этот мультсериал стоит смотреть всем, но хотя бы попробовать стоит однозначно. Его основная аудитория была обозначена каналом в рамках детей от 6 до 12 лет. Но не просто так он получил популярность далеко за гранью данной демографии. В отличии от многих других экшн-мультсериалов «Аватар: Легенда об Аанге» с годами в основном лишь хорошеет благодаря живым героям, грамотно поднятым темам и зачаровывающим сеттингом.
Но даже если вы не остались в восторге от первого сезона (как и от моего сумбурного рассказа), то я всё же не рекомендую бросать сериал, ибо дальше – лучше. Но об этом в другой раз. Заодно в текстах о втором и третьем сезоне у нас будет время поговорить и о других прекрасных элементах «Легенды об Аанге». Например, сюжете и музыке.
8 из 10
P.S. На момент написания я и понятия не имел, что Принца Зуко тоже озвучивал Гланц. Это взорвало мне мозг.

#35 – Звездные войны: Эпизод V – Империя наносит ответный удар (1980)
Опубликовано 14 декабря 2016 года
Чуть ли не на следующий день после «Новой надежды» я посмотрел «Звездные войны: Эпизод V – Империя наносит ответный удар». И это было всё так же потрясно. Целый новый мир продолжал открываться. История стала серьезней, мрачнее, но всё так же увлекала. А коротышка Йода просто очаровывал. Тем не менее, у меня в памяти отложилось, что пятый эпизод держится наравне с четвертым. На самом деле это не так. Он лучше, причём во всём.

Конец ознакомительного фрагмента.
Текст предоставлен ООО «Литрес».
Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию (https://www.litres.ru/book/nikita-urevich-trishin/peresmotr-tom-1-dazhe-ne-nachal-63604558/chitat-onlayn/?lfrom=390579938) на Литрес.
Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.